22.2.24

RESONANCES OF RESISTANCE: SONIDOS EXPERIMENTALES PARA GAZA



Resonances Of Resistance: Sonidos experimentales para Gaza, es un recopilatorio sin ánimo de lucro que el sello República Ibérica Ruidista publica en formato digital, a partir de la convocatoria abierta del artista sonoro Sergio Sánchez para apoyar al pueblo palestino en su lucha por la libertad y por denunciar el genocidio y los crímenes de guerra del Estado de Israel.

En el disco (gratuito) podréis escuchar las diferentes propuestas sonoras experimentales que, desde el eclecticismo, se vertebran a través de la solidaridad de los artistas participantes con Gaza. Un gran número de grabaciones han sido recibidas, cubriendo ampliamente las expectativas generadas ante la justa propuesta de apoyo al pueblo palestino. 

Muchos estilos y subgéneros suenan en este amplio recopilatorio: improvisación libre, electroacústica, noise, ambient, industrial, etc. Los participantes seleccionados manifiestan públicamente su total solidaridad con Gaza y el pueblo palestino, exigiendo un alto el fuego inmediato, la paz en el territorio, y denunciando el genocidio que sufren los gazatíes.

La máxima prioridad ahora mismo es parar el exterminio sistemático y organizado por parte del Estado de Israel y EEUU, máximos culpables de tal masacre. Los artistas participantes defienden el derecho del pueblo palestino a la autodeterminación, a ser independientes, y a vivir en paz sin opresión. Gaza y Cisjordania son las dos cárceles al aire libre más grandes del mundo, y sus habitantes viven en condiciones infrahumanas con un continuo aparheid donde no se respetan los derechos humanos más básicos.

Más de 80 grabaciones de decenas de músicos experimentales (incluido un video de Los Voluble) y 7 horas de música, ofrece República Ibérica Ruidista en este recopilatorio solidario, una interpretación sónica de lo que está sucediendo en Gaza. 

La gran mayoría son temas inéditos, creados ex profeso para la ocasión. En un principio el título del disco se titulaba «Gaza. Un nuevo holocausto» y las donaciones serían para Save The Children, pero tras una reflexión tras recibir información de primera mano sobre las ayudas que reciben los palestinos, y por el el ataque de Israel a la organización que más apoya directamente en el terreno, se ha optado por pedir una donación la UNRWA, la agencia de la ONU que de ayuda a los refugiados y refugiadas de Palestina por un futuro digno. El nuevo título digamos que es más combativo y positivo.

Más de 2 millones de personas, la mayoría mujeres y niños, están secuestrados en su propia tierra y siendo aniquilados por un Estado que se cree con la impunidad (gracias al imperialismo de EEUU) de asesinar inocentes. En el momento de la publicación de este disco, hay más de 28 mil civiles asesinados, violándose todos los derechos humanos conocidos (Carta de Derechos Humanos, y Convención de Ginebra), lo que ha provocado el desplazamiento de 2 millones de personas. Hay que parar este genocidio ya.

Y toda ayuda, aun siendo simbólica, es necesaria. Los palestinos deben saber que no están solos, que la gran mayoría de los pueblos del mundo están con ellos, y no con Israel y su cómplice EEUU. Son ya más de 70 años de guerra, genocidio y aparheid. No podemos quedar impasibles o mirar hacia otro lado.

El mundo de la cultura, y concretamente el de la música, tiene la obligación moral de apoyar al oprimido y denunciar al opresor. Se han firmado manifiestos, pero aún no se ha publicado un disco de apoyo explícito sobre Gaza y Palestina. Una vez más, los silenciados músicos experimentales (y en ocasiones denostados), somos los que más activamente participamos en reivindicaciones justas, sin mirar para otro lado, como sabemos hacer, trabajando con los sonidos. Muchísimas gracias a los participantes por su altruismo, solidaridad. Los aquí presentes son los más valientes de la escena.

Los crímenes de guerra de Israel deben ser juzgados. Nuestro lugar está con la justa causa del pueblo palestino.

Y por último, pero no menos importante, República Ibérica Ruidista os pide un pequeño gesto, un momento de vuestra existencia para apoyar al pueblo palestino. ¿La mejor manera de hacerlo? Una donación económica, por pequeña que sea, ya que estaréis ayudando directamente a esos niños con un futuro que tristemente se cuenta por horas, porque no se sabe si una bomba caerá sobre sus cabezas.

Unos pocos euros pueden salvar vidas (luz, medicamentos, comida, agua, ropa).Vuestras donaciones al siguiente enlace oficial de la UNRWA. Gracias.

¡Viva Palestina Libre!

DONATIVOS: https://secure.unrwa.es/donativo


14.1.24

Recopilatorio del sello República Ibérica Ruidista en apoyo a GAZA.


El sello de música experimental República Ibérica Ruidista lanza una convocatoria abierta para un recopilatorio en apoyo a Gaza.



El músico murciano Sergio Sánchez (conocido como Jazznoize) lanzó el viernes 12 de enero una convocatoria abierta para músicos dentro del ámbito de las músicas experimentales. Las composiciones seleccionadas se publicarán en formato digital en el sello, siendo el plazo de entrega el próximo 1 de febrero. Las especificaciones de envío, formato de audio, etc, se encuentran en las redes sociales del artista (Facebook, X, e Instagram). El título será "Gaza. El nuevo holocausto". En el disco se escucharán las diferentes propuestas estéticas que estarán unidas por la solidaridad de los artistas con el pueblo palestino, por la exigencia de la creación del Estado de Palestina y un alto el fuego inmediato que proteja a la población civil, y por el llamamiento para que los culpables del genocidio y terror perpretado por el Estado de Israel (con apoyo directo de EEUU) sean juzgados por un tribunal internacional.

El dinero recaudado (5 euros) con la compra del disco será donado a la UNRWA.


El plazo final para el envío de los audios es el 1 de febrero.

Debe enviarse en formato WAV, al correo electrónico jazznoize@hotmail.com a través de WeTransfer. 




República Ibérica Ruidista launches an open call for a digital compilation in support of Gaza.

DEADLINE: February 1st. Wav audio. WeTransfer to jazznoize@hotmail.com Title of album: "Gaza.The new holocaust."

Experimental sounds united with the Palestinian people, by the demand for the creation of the State of Palestine and an immediate ceasefire that protects the civilian population. The money raised (5 euros) from the purchase of the album will be donated to Save The Children.

10.1.24

Niblock, maestro del minimalismo.

Phill Niblock 1933–2024 RIP.



Efectivamente, Phill Niblock ha muerto. Era uno de los grandes popes de la música experimental, difícil se hacía entender la música electrónica más alternativa sin él. Pero no hay que estar tristes, ha tenido una larga vida haciendo la mayoría de años lo que quiso, vivir de su trabajo, publicando discos durante más de 70 años. Grabando horas y horas. A saber el fondo de catálogo sin publicar que debe tener. En ese aspecto ha sido un privilegiado, ocupando así un lugar destacado en la historia de la música. 

También fue fotógrafo y cineasta. Amante de lo analógico, el formato acústico, y más tarde lo digital, cabe destacar, como indica el prestigioso sello Touch (su casa musical), su última colaboración con ellos, "Working Touch", en formato de pendrive USB de 22 GB con nuevo material. Supongo que era su obra póstuma, su despedida, o algo así. 

Para quien no conozca a Niblock, deben saber que de su generación los nombres y apellidos de renombre eran míticos: Subotnik, Alvin Curran, La Monte Young...

Descanse en paz.

Pincha en la foto.




10.12.23

Escupemetralla - Cold grey void electrically operated by mantis-eyed humans.



El último trabajo de los inclasificables Escupemetralla, uno de los proyectos de música rara y/o experimental más underground (en su máxima expresión) de nuestro país, vuelve a publicarse en el sello catalán Novak, que está gestionado por uno de los gurús de la electrónica menos acomodada (Fermín Durán). La referencia es la número 155, titulada al puro estilo Escupemetralla (dadaísmo radical), "Cold grey void electrically operated by mantis-eyed humans" es un recorrido intergaláctico de escapismo sideral sobre uno de los grupos más amados (y en ocasiones odiado) del sistema solar: Pink Floyd.

El disco consta de 12 cortes oníricos donde se aglutinan sonidos ambientales de guerras cósmicas, solos de guitarras de afinación nebulosa, ritmos exploratorios que ni Esplendor Geométrico se atreverían a deglutir, y sonidos metálicos que en vena reproducen los sueños oníricos más radicales de cualquier ente no humano. La capacidad de inventiva y experimentación de Muhammad & Muhammad no tiene atisbo de apolillarse. Y si no me creen, pasen al directamente al tema "Operasi Koteka". Una deliciosa agonía sintética acompañada de ritmos que podrían haber sido ideados por Barret en estado triposo y encerrado en un almacén con sintetizadores. 

Esta publicación puede contener (ellos mismos avisan) sampleos de ADN obsoleto y degradado de Rick, Nick, Syd, David, y Roger. Según dicen, grabaron el disco en una cabaña junto a una posible pradera cerca de una monstruosa central eléctrica abandonada de Sant Adrià de Besós. Se trata también de un homenaje humilde, inclasificable, y críptico, que los Arquitectos del Miedo rinden a los Arquitectos del Sonido.

El excelente diseño de la portada es de J. A. Álvarez. El CD es digipack. Los dibujos son de Escupemetralla. 

Puntuación: 4/5



14.4.22

El pueblo ucraniano y su arte.

El caudal sociocultural del pueblo ucraniano es excelso. A diferencia de la propaganda filo rusa en el transcurso de la guerra, la identidad de Ucrania como pueblo es incontestable. Viene de siglos atrás, aunque siempre la "protección" de Rusia ha controlado los "excesos" nacionales y hasta folclóricos de esta región del Este europeo. Lo que no significa que los lazos históricos, y de sangre entre rusos y ucranianos haya sido algo predominante durante generaciones. 

Ucrania (significa literalmente tierra limítrofe), país grande europeo conocido por sus iglesias ortodoxas, su costa del Mar Negro, y sus montañas boscosas, tiene a nivel lingüístico una diversidad que hace fácil entender las contradicciones culturales que el invasor Putin lleva azuzando desde hace años para convertir Ucrania en un Estado satélite al estilo de la época soviética durante los años del COMECON. 



Una parte del país habla básicamente ucraniano, otra se comunica en ruso, y otra tercera lo hace en los dos idiomas indistintamente. Algo que se debe también a sus situación geoestratégica, a medio camino entre Europa y Asia. De ahí la vital importancia para Rusia.

Su singularidad radica en su ausencia de unidad religiosa (católicos tradicionales, ortodoxos, católicos de rito griego) y su falta de apego a la Iglesia, siempre cuestionada y caricaturizada por el pueblo ucraniano durante siglos.  

En el refranero ucraniano abundan dichos populares que reflejan todo lo citado anteriormente, junto a un carácter rebelde que se expresaba siempre en lo cultural.





No olvidemos que los ucranianos han sido un pueblo sufrido. Gran parte de su población se encontraba sometida a la esclavitud, que se abolió en 1961, y a mucho antagonismo de clase. Con abundante miseria en parte de la población y donde la riqueza pertenecía a muy pocos. Pero uno de los refranes populares de Ucrania dice así: "El lobo caza, después al lobo cazarán", que explica muy bien la resistencia hasta el final para acabar con sus enemigos. Es un equivalente al refrán español "A cada cerdo le llega su San Martín". 




Volviendo a la idiosincrasia de Ucrania, es necesario recordar el potencial cultural de un pueblo, que lejos de ser menor, sin apenas referentes en la música, literatura, pintura o danza, alcanzó durante largos períodos de su historia, una presencia sobresaliente en el mundo del arte. De Ucrania han salido algunos de los mejores artistas de los últimos 200 años. Y en plena invasión rusa es de vital importancia destacar a algunos de sus iconos más representativos.



Los pianistas Horowitz, Gilels, Richter, violinistas míticos como Óistraj, bailarines pioneros como Nijinski, escritores como Gogol y Bulgakov, o pintores vanguardistas como Malevich (padre del suprematismo). Son la punta del iceberg del arte ucraniano, muchas veces confundido con el ruso al pertenecer algunos de ellos a la época soviética. Aunque parezca una perogrullada, no todos los soviéticos eran rusos.



El ilustre compositor Sérguei Prokofiev (Romeo y Julieta, Pedro y el Lobo) nació en Donetsk, territorio en disputa, aunque su vida artística no se entendería sin la influencia de San Petersburgo y Moscú. Otro músico importantísimo por su virtuosismo y amplitud de repertorio fue Sviatoslav Tichter, nacido en Zhitomir, y considerado uno de los pianistas más importantes del siglo XX. 

En cuanto al cine, la importancia es brutal. Aleksandr Dvzhenko, uno de los grandes cineastas soviéticos y pionero en la teoría del montaje, fundó los Estudios Cinematográficos que llevan su apellido. Director histórico junto Eisenstein o Pudovkin. Dziga Vértov, se trasladó en la década de los años 20 de Moscú a Ucrania para rodar lo más importante de su carrera, en el estudio cinematográfico VUFKU. Documentales de vanguardia como El undécimo año, la obra maestra el cine mundial El hombre de la cámara, o el primer documental ucraniano sonoro "Entusiasmo (Sinfonía del Donbass") son historia del cine soviético pero también ucraniano. Otro director importante, Paradzhanov, de origen armenio, contribuyó a desarrollar el séptimo arte en Ucrania, creando su propio estilo, alejado totalmente del realismo socialista imperante ya en su tiempo. La película más importante, posiblemente, de la historia del cine, "El acorazado Potemkin", de Eisenstein, está basada en historia acaecida en Ucrania. Recordad Odesa. 


Son los más conocidos de un estado soberano invadido por el imperialismo ruso de Putin.

Muchos de ellos, soviéticos de convicción estarían horrorizados si vieran lo que ocurre en su tierra natal. Otros, aunque no fueran nacidos en la actual Ucrania, también sufrirían al ver los horrores de esta guerra injusta: Einsenstein, soviético nacido en Riga (Letonia) desde sus escaleras de Odesa, Jascha Heifetz desde Vilna (Lituania), o Mstislav Rostropovich desde natal Bakú (Azerbaiyán). 

El mundo del arte también debe estar con los oprimidos, los invadidos, el pueblo ucraniano. Y todo comunista, progresista, y gente de izquierdas debe posicionarse contra una guerra, la de Putin, que es imperialista en su totalidad. 





12.9.21

Low. Desde Duluth enterrando prejuicios.



"White Horses" avisa desde los primeros compases que los de Duluth van a seguir ahondando en la brecha abierta con sus dos discos anteriores, producidos por BJ Burton. Esta especie de falsa trilogía abre en canal las contradicciones de Low con respecto a la misma existencia. Lo bueno y lo malo de estar vivo, sin miramientos, con desgarro y mucha emotividad. 

Vuelven a una estética sonora armada con herramientas provenientes del mundo de la música electrónica no convencional, retorciendo aún más la idea originaria. Experimentando como décadas atrás hacían los maestros de la vanguardia, que no despreciaban ningún tipo de sonido por ruidoso que fuera.

En el disco habitan bases densas de pura niebla cortante e hiriente, palpitaciones convertidas en loops, y sonidos que desfloran esperanzas a través de unas melodías que se posicionan sobre ese muro sónico, aparentemente frío, pero que tiene más "alma" que muchas de las producciones que nos entregan los grandes popes de lo alternativo.

Low labran su camino iniciado hace casi 30 años, siguiendo la estela de grupos como los maravillosos Bedhead y toda aquella escena ya lejana que alguien definió como slowcore. Una etiqueta que la propia banda de Minesota rechaza. 

Recuerdo la primera vez que les escuché. Fue con la canción "Shame", de su segundo disco. Tras sus dos primeros álbumes en un pequeño sello discográfico, saltaron a mi idolatrado sello Kranky, hogar de algunas de las bandas más luminosas de los últimos tiempos. Pero fue en Sub Pop, sí, ese sello super grunge de la escena rock alternativa de los años 80 y 90, donde se mueven como pez en el agua y con total libertad para expresar su idea metafísica del mundo. No debemos olvidar que son de un lugar donde ser mormón es tan masivo como nuestra religiosa forma de convivir socialmente en España, la de ir de terraza en terraza en busca de bares.

Nostalgia, tristeza, esperanza, emotividad, sanación, depresión. Todo esto, y más, puede concentrarse en una canción tan redonda como "All Night", que podría haber sido el single, pero no lo es. Esa composición es uno de los mayores aciertos del disco, que ya es el decimo tercero, si no me equivoco.

Equilibrado pero al mismo tiempo intenso, y con producción con capazas de distorsión para el cultivo de cualquier tímpano descarriado y perdido, encontramos el él una evolución en el proceso de creación de las canciones y también en el orden elegido para cada de una de ellas. En definitiva, es el summum de esa búsqueda constante de certezas que nunca serán comprendidas en su totalidad. 

Por otro lado, la forma coral de las melodías, asentads en esa acalma marca de la casa, sigue siendo seña identitaria de Low, a pesar de que busquen revestirlas, con más ahínco que nunca, de un rugoso magma de ruidos engendrados mediante distorsiones con estructuras repetitivas, o con ingredientes tan intensos como acoples lujosos que añaden suntuosidad a la idea aparentemente básica de los de Duluth. 

Los cambios bruscos entre la calma aparente y la oscura densidad dan más corporeidad y sinergia a un disco que en ningún momento peca de pesadez. Esto no significa que sea un trabajo fácil de escuchar (tampoco es difícil) si partimos de la media de producciones del universo pop-rock alternativo que nos presenta esta época que vivimos donde el reciclaje, la mutación, en incluso la fagocitación de estilos, son santo y seña  de nuestro tiempo presente.

Está claro que bandas como Low son valientes, pero no innovadoras. Se adentran por caminos y derroteros ya pisoteados hasta la saciedad por proyectos experimentales de otros estilos casi siempre más arriesgados, pero se agradece, y mucho, que estas apuestas desde el rock basen su trabajo expresivo-sónico en el ruido.

Los primeros que me vienen a la cabeza son Sun O))), dúo formado por Stephen O´Malley y Greg Anderson (pero si esa espiritualidad), o incluso el proyecto (amado por Kurt Cobain) Earth cuyos sonidos más primitivos influyeron a multitud de bandas de rock más inquietas. Eso sí, Sun 0))) entran al templo para bajar a los infiernos, mientras que Low lo hace para adorar a Dios. Trabajos de músicos como Tim Hecker, Lawrence English, Aidan Baker, y toda la retahíla estética basada en el ambient y el drone más áspero (tanto en el mundo rock como en el electrónico), han hecho mella en estos creadores de oraciones populares.

Si a través de la escucha de Low, los amantes de la música rock más alternativa llegan a otros universos sonoros, bienvenidos al lado "oscuro" de la música porque dejarán de ser infieles provenientes de la Sodoma que renegó en distintas ocasiones de todo lo que sonara a electrónico y conformara estructuras atonales ruidistas. ¿Los más fundamentalistas llegan tarde? Tal vez, pero al menos, entran en el salón de los caídos para adorar, sin saberlo, todo lo que antes criticaron. 

"Hey What" es una buena entrada al mundo de lo bello a través de la falsa fealdad. Sin importar que el pop gestionado por las grandes multinacionales, y ahora plataformas de música en streaming, fagocitan todo lo nuevo para convertirlo, en ocasiones, en algo rancio. Esperemos que con Low no suceda. Mientras tanto, escuchen este nuevo trabajo (espero que no el último) que como mínimo no defraudará a los que buscan experiencias más allá de la diversión y el hedonismo mal entendido.

Nota: 8/10





31.8.21

Lee Perry. Más experimental que los popes experimentales.

Acaba de fallecer otro de los artistas fundamentales de buena parte del siglo XX, Lee Perry. Técnico sonidista desde el primitivismo y la precariedad, fue santo y seña durante mucho tiempo en el país del que provenía, Jamaica. Este excéntrico músico fue el que mejor supo escarbar en las entrañas de la música que se estilaba en la década de los años 60 y 70, en ese periodo de transición de las música llamada ska. y posteriormente rocksteady. 

Pero de esto no voy a hablar en esta necrológica escueta que sirve de sincero homenaje, ya que hay numerosos libros especializados en esto, como por ejemplo el que más valoro personalmente: "Bass Culture" de Lloyd Bradley, una auténtica biblia rigurosa y repleta de información. 

Me quiero centrar mejor en la importancia y el talento creativo de Perry, un auténtico revolucionario por sus grandes aportaciones innovadoras, ya fagocitadas desde hace varias décadas por los músicos hasta más tradicionales de las diferentes tendencias, el punk (el post punk de The Slits, Delta 5, PIL), al r´n´b, pasando por el rap (KRS-One), y el techno (The Orb, Moritz Von Oswald, Basic Channel, Porter Ricks). La lista de proyectos sería interminable.

Creador del reggae y padre putativo de los Wailers, Perry trabajo con los grandes. Era una leyenda viva hasta hace dos telediarios, cuando falleció con 85 años en Lucea, zona norte de Jamaica, aunque su lugar de residencia durante bastantes años fue Suiza.

Tal vez por su procedencia humilde, con una infancia y juventud repleta de carencias, Perry se interesó en lo esencial, en el esqueleto musical de la música popular de su país, en el bajo y en los ritmos, dotando de nuevos sonidos a la música con la que trabajaba gracias a la experimentación alejada de prejuicios. En este sentido fue uno de los que diseñó, junto a King Tubby, ese subgénero maravilloso llamado dub. Con más libertad ya en su propio estudio casero Black Ark. 

Su manera de trabajar fue adoptada por otros maestros técnicos de generaciones posteriores como Sly and Robbie, y también Mad Professor (que trabajó con Perry en varias ocasiones). La alargada sombra de este "Super Ape" rebelde (con causa) y visionario, va a perdurar durante varias décadas aquí y "outta space". 

Basta recordar que gracias a él se grabó (por The Upsetters) el disco fundamental de Max Romeo "War Ina Babylon", producido por el propio Lee Perry. Siendo la canción "Chase The Devil" todo un himno político, como muchas de sus producciones de los revolucionarios años 70, que años después recuperaron mediante sample The Prodigy en su mítica canción "Out of Space". Un clarísimo ejemplo de que el legado de Lee Perry está más vivo que nunca.

Para mí el dub es parte fundamental de la experimentación, que gira en torno a músicos, técnicos, y productores provenientes de un país del Tercer Mundo, pobre, de gente humilde que con escasísimos recursos aplicaron, inventaron, y desarrollaron técnicas y formas de entender y trabajar el sonido, más allá de lo que burgueses blancos de EEUU y Europa pudieron alcanzar con muchos más medios (laboratorios de música millonarios). De ahí que tenga mucho más valor para mí. 

El dub, oh, el dub. Esa técnica que dobla pistas de sonido del reggae, enfatizando la línea de bajo, eliminando en ocasiones la pista de la voz, jugando con ella a través de eco, reverberando para crear un universo sónico inquietante y atmosférico, es de lo más valioso que ha parido el ser humano en sus expresiones artísticas relacionadas con la música. 

El propio Perry decía que "el estudio era como un ser vivo, una vida en sí misma". "La máquina debe estar viva e inteligente. Luego pongo mi mente en la máquina y la máquina realiza la realidad". Con afirmación (preñada en las últimas palabras de pura metafísica) hay cierto paralelismo con otros productores no músicos. Los primeros que me vienen a la mente son Phil Spector con su "wall of sound", y también Brian Eno, tal vez el mejor "no músico" de la historia. 

Keith Richards le consideraba el Salvador Dalí. También tenía algo de Sun Ra por su espíritu inclasificable e indomable. Influyó notablemente en la carrera de Bob Marley. En este sentido, Perry fue un creador de creadores. Aunque la colaboración entre ellos acabo mal, en lo personal y en lo económico. Demasiado libre era Perry para pensar en generar lucro por su trabajo.

También dice mucho de él la acogida que dio a unos blancos de la antigua metrópoli del imperio británico, los punkis The Clash, cuya canción "Complete Control" fue producida por Perry. Y ese mismo año produjo dos canciones a Paul y Linda McCartney.

Su obra se encuentra en sus propios trabajos  y en los de Max Romeo, Augustus Pablo, The Heptones, Junior Byles, The Mystic, Devon Irons, Bunny and Ricky, Peter and Paul Lewis, Sanny Hensworth, Junior Ainsworth, Dillinger, Lee and Junior, Junior Delgado, Sons Of Light, The Black Notes, The Orb, Mad Professor, The Clash, y muchos más.

Aquí una muestra  (vídeos en youtube) de su obra, sus producciones, y su influencia en la música...




















21.6.21

Erizonte. Escultura sonora por la libertad. Tributo a OPS.



La obertura creada por Erizonte ya nos avisa de la carga de profundidad de "Sonidos en el silencio", (título que viene de un corto "La edad del silencio" corto animado de 1978 dirigido por Gabriel Blanco.

 Con ese ambient fantasmal y tenebroso que emana desasosiego, forma una especie de azote de pensamiento crítico, de esos que durante décadas ha generado el maestro Ándrés Rábago (Madrid, 1947), antes como OPS  (significa abundancia en la mitología romana) de su época antifranquista (el caso del que trata este sincero tributo) y ahora como El Roto en tiempos de democracia (burguesa). Muy en la línea nuestro ilustre Goya. 

Sinceramente es un lujo poder escuchar las colaboraciones que Julián Sánz Escalona ha ido conformando con el tiempo en este ecléctico pero uniforme disco conceptual que merecidamente ha sido parido en forma de vinilo (con anticipos anteriores en formato CD). Álbum colectivo impulsado por el propio Julián. 

Los colaboradores son un aluvión de músicos históricos de la música experimental y underground.

Impagable la participación del mítico dúo Mecánica Popular (Luis Delgado y Eugenio Muñoz), pura historia de la vanguardia sonora de la España de los 80. La lista es exquisita. Nombres de culto de la escena, pioneros que nunca dilapidaron su ingenio y creatividad. La Fura Dels Baus (con Miki Espuma como compositor), Los ya desaparecidos Macromassa (uno de sus miembros, Víctor Nubla, falleció en marzo de 2020, y el disco está dedicado a él), el grupo post post punk Mar Otra Vez (reunido para la ocasión después de décadas sin actividad), Esplendor Geométrico (más laboriosos que nunca), el maestro de culto Pelayo F. Arrizabalaga junto a Eli Gras (uno de los talentos de nuestro país), Scud Hero (protagónico en la electro rock de principios del presente siglo), y Javier Corcobado, que cierra el ciclo de colaboraciones que Escalona, bajo su alias de Erizonte, ha edificado, dotando de una música onírica y pensativa, el trabajo como agitador de conciencias que OPS encarnó durante años. 

El disco es un antídoto contra el efugio vital imperante en estos tiempos de manipulación e individualismo. Siguiendo esta idea, esta oda efusiva, derrama vitalidad, muy superior a la mayoría de trabajos que suelen publicarse. Vitalidad con actitud (en su vertiente crítica del sistema) de gran eficacia. Siendo una apuesta arriesgada en eso de publicar obras sonoras con mensaje, algo tan anómalo hoy día. Los músicos citados emplean sonidos e instrumentos que engarzan formas nuevas (o no tanto) de expresión, enhebrando una especie de banda sonora que desaturde nuestras mentes abarrotadas de pensamientos nefastos. 

Sin esnobismo alguno, con sinceridad y verdad en cada hueco del pentagrama, se esparcen con agilidad y sabiduría toda una serie de conceptos que eran fórmula artística de Rábago, casi regla inamovible que servía para explicarnos el mundo que nos rodea. 

La explotación, la manipulación, los diferentes tipos de opresión, la importancia de la educación, el papel desastroso de la Iglesia como inoculador de sometimiento y sumisión, el poder del miedo, la mejor de las armas, nuestro universo de humor negro, y nuestro espíritu de superación ante los obstáculos. La represión en todas sus formas es lo que vertebra este álbum que se convierte en otro artefacto más de los artistas y músicos españoles que siempre han defendido la libertad. 

Este disco, en su intrínseca concepción es una bofetada al poder, no como algo metafísico, sino como algo material que decide nuestro destino, o al menos lo intenta con las diferentes armas de que dispone.

En la estepa musical de nuestro país, algunas veces surgen chispas luminosas y abrasivas que retumban frente a lo acomodaticio y lo subvencionado. O se está con el poder, o se está contra él. Erizonte lo tiene claro en este disco tributo a OPS.

Disco imprescindible. Pero aviso, no es apto para los que aborrecen los sonidos chirriantes y la música atonal. Este es un disco de aquello que llamaban vanguardia

El acertado diseño gráfico está acompañado de una selección (realizada por el propio Rábago) de sus viñetas, ilustrando cada una de las composiciones de los protagonistas de este disco colectivo. 

Puntuación: 4/5.

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Por Sergio Sánchez

31.5.21

Cristóbal Halffter. La música del compromiso.

    


    El programa de Televisión Española "Imprescindibles" nos ha regalado todo un programa monográfico sobre la figura del tristemente fallecido Cristóbal Halffter, descubriendo a los telespectadores el verdadero significado de un artista total, descomunal. Y aunque era uno de los nuestros, desgraciadamente, para la mayoría de los ciudadanos, era un perfecto desconocido. 

    Lo mejor de su obra trasciende también su música. Su compromiso y moral intachables estaban ligadas a cada compás que completó con notación, a cada sonido, a cada silencio. Estaban unidas a una finalidad que era nada más y nada menos que la denuncia y la resistencia ante cualquier tipo de represión y de opresión. 

    "Si el Quijote tuviera que enfrentarse a unos molinos en la actualidad, éstos serían el sistema, el imperialismo, y las multinacionales".  

    Es una frase acertada y revolucionaria que mucha gente nunca creería que pertenece a este colosal compositor. 

    Desde la vanguardia, y sin olvidar lo mejor de nuestra tradición, Halffter vertebró una obra de una coherencia pluscuamperfecta. 

    El compositor/director compuso en plena dictadura, y también en sus estertores, algunas obras trascendentales, como la dedicada a los poetas Antonio Machado, Federico García Lorca, y Miguel Hernández. También a ciudades masacradas en el siglo XX por bombardeos indiscriminados y genocidas: Guernica, Dresde, Hiroshima...). 

    Así como también realizó una obra por encargo de la mismísima ONU para recordar el vigésimo aniversario de la Declaración de los Derechos Humanos. 

    Todo esto, muestra una pequeña pizca de su obra imprescindible, y la necesidad de que la música de Cristóbal Halffter deba ser conocida no solo en los Conservatorios de Música, sino en cada colegio e instituto de bachillerato de nuestro país. 



    


26.5.21

Pedro Iturralde. Viento del pueblo.

Pedro Iturralde ha fallecido a los 91 años de edad. Su es sinónimo de jazz en España, es uno de los pioneros, pero también era sinónimo de embajador, por poner a España (junto a Tete Montoliú) en el mapa mundial jazzístico. En los estertores de los años 60 Iturralde ya era un maestro por aunar sabiamente lo mejor del jazz y el flamenco, dos pasiones artísticas que aparentemente eran contrapuestas en lo estético, pero que en su raíces más profundas emana la savia de la cultura popular, la de los descamisados y los oprimidos.

De niño comenzó a tocar varios instrumentos, (saxofón, clarinete, guitarra, piano), y más tarde violín. Tras viajar al extranjero cuando ya ejercía de forma profesional como músico, volvió a nuestro país y realizó la carrera (completa) de saxofón en el Conservatorio Superior de Madrid, en solo un año. Justo después, y tras curtirse en los pueblos de su querida Navarra y el extranjero, formó el Pedro Iturralde Quartet. Además de interprete fue un notable compositor, y trabajó de músico de estudio y arreglista, realizando coqueteos con estilos modernos de la época como el rock y el twist. Esto le sirvió para foguearse y ganar tablas, y también para grabar sus primeros discos en solitario (en formato EP) con un sonido cada vez más personal, donde alternaba versiones de música popular tradicional y composiciones propias. 

Su gran salto al mundo del jazz se produjo en el Whiskey Jazz Club. Allí tocó casi todas las noches durante varios años. Atención a los nombres a los que acompañó: el gran trompetista Donald Byrd el monstruo del barítono Gerry Mulligan, Lee Konitz, otro gran saxofonista del estilo cool en los años 50, el otro grande internacional del jazz español, Tete Montoliu, y el también pianista Hampton Hawes, que también tocó con los más grandes (Charlie Parker, Art Pepper, Charles Mingus, y más tarde con Joan Báez y Charlie Haden).
 Es ahí donde comenzó a dar rienda suelta a sus ideas revolucionarias en su concepto de fusión entre los dos grandes géneros surgidos de la sal de la tierra, el jazz y flamenco, Con Hawes grabó un soberbio disco que reflejaba a la perfección su gran nivel como músico, el titulado "Pedro Iturralde Quartet Featuring Hampton Hawes", y cuyo subtítulo indica el horario de madrugada cuando fue grabado, casi del tirón. El repertorio estaba compuesto de clásicos a la manera de Iturralde y su cuarteto, el frenético y técnico "Óleo", la ya inmortal "Autumn Leaves", o la delicada "My Funny Valentine" que tan popular hizo Chet Baker, y que en manos de Iturralde se convirtió en una versión dignísima (los dos últimos minutos son arte puro que recuerda a su admirado John Coltrane). Esa fue una madrugada mágica de febrero de 1968 se convirtió en un oasis de libertad artística, en pleno ese frío de una capital aún castrada por la dictadura. Hawes, que no llegaría a escuchar el disco publicado (tardarían 18 años en desempolvar la grabación para su publicación para el extranjero), estaba en estado de gracia. También Iturralde y sus habituales en aquella época (Eric Peter al contrabajo y Peer Wyboris a la batería).

Dulzura, técnica y compenetración, como pocas veces puede ocurrirle a uno en la vida, quedaron plasmados en ese soberbio disco que les recomiendo escuchar. Se grabó en un par de horas, y se convirtió al instante en una de las obras cumbres de jazz español. Menos mal que convencieron al gurú de la discográfica Hispavox, Rafael Trabucchelli para registrar aquella maravilla. Inciso, me pregunto cuánto arte musical se ha perdido en nuestro país sin poder perpetuarlo en forma de disco. En este disco ya se desprende (aparte de la gran compenetración entre Iturralde y Hawes) la sensibilidad, la dulzura, la técnica, y el color del sonido del saxofón del gran maestro navarro. En definitiva, un auténtico disfrute para los amantes del jazz. Pero el "puñetazo" de Iturralde en el tablero mundial del jazz ya estaba dado con la publicación, también en Hispavox, de dos discos (uno en 1967 y el otro en 1968) que cambiaron la historia, "Jazz Flamenco"(en dos volúmenes) que años después se podrían conseguir reeditado en formato CD en una sola referencia a través del mítico sello Blue Note (la mejor discográfica junto a Prestige e Impulse), dada su importancia trascendental. 

En solo una década publicó una serie de discos que configuran la edad del oro del jazz ibérico con una piedra angular dividida en 4 discos, dos de ellos subdivididos (el ya citado "Jazz Flamenco"), y los otros dos publicados, ya no con Hispavox, sino con MPS y CBS. Son los llamados "Flamenco Jazz" (imprescindible escuchar "Canción de Fuego Fatuo", "El Vito" o "Veleta de tu viento") y "Jazz Studio". Entre 1967 y 1976, se produjo la primera década de oro del jazz español, y deberían realizarse tesis sobre la fusión que hizo Iturralde sobre innovación vanguardista y respeto a las tradiciones más arraigadas en la cultura popular hispana.
Aún siendo navarro, el hecho de viajar fuera de España le impulsó a componer o adaptar clásicos tradicionales. Como el gran Sabicas (también navarro), su pasión por Andalucía era palpable. Le gustaba mucho realizar improvisaciones sobre esos aires andaluces, y un gran deseo por conocer otras culturas. En contraposición a los que buscaban y siguen buscando división, él veía en la diversidad y riqueza cultural de España, un plus que le servía para ser más creativo, para crecer como persona y artista. De sus escapadas por los "tablaos" flamencos y de la escucha del disco de Miles Davis "Sketches of Spain"(profunda y respetuosa aproximación a la cultura española), surgió la poderosa (y ya indestructible) idea de que el flamenco y el jazz eran hermanos de sangre, que su fusión no es que podía ser factible, sino que era capaz de generar un arte de profunda hermosura. Coltrane y Davis tenían en su subsconsciente el flamenco como influencia lejana. No creaban copias del sonido flamenco, pero sí variaciones demasiado formales, y que no se acercaban a lo que grabó Iturralde. 

A diferencia de ellos, el maestro español sentía como propio el flamenco, de forma atávica y con fuerza, expresando a través del jazz un estilo que sentía como propio. Los discos de Iturralde aún siguen sonando frescos, inquietos con esa característica tan suya de dotar la técnica, el ritmo y las armonías, al servicio de la emoción. Algo que en mi modesta opinión es seña de identidad de los músicos de jazz españoles. De dos culturas aparentemente opuestas y lejanas, se demostraba que tenían más en común de lo que podríamos imaginar. Estos discos centrales de Iturralde así lo demuestran. A partir de ahí, todos en el mundo del jazz quedaron maravillados y comprendieron más allá de los tópicos y algunas certeras ideas sobre nuestra idiosincrasia (como le ocurrió a Miles Davis). 

Se acababa de dar un gran salto adelante en esa idea de fusión de ambas culturas, aportanto todo el conocimiento de años sobre la cultura flamenca, aportando auténtico flamenco, de gran calidad, y dialogando de forma libre y respetuosa con el jazz, que era un estilo de música que también gustaba de la libertad como forma de expresión. Iturralde, que estaba rodeado de grandes músicos, elevó a otra dimensión canciones tradicionales y populares como "Veleta de tu viento", "El Vito", o adaptando obras del maestro Falla, "Canción de Fuego Fatuo". Muchos arreglos fueron tomados a través de nuestro genio universal Federico García Lorca. Y la influencia de los maestros Manuel de Falla, Isaac Albéniz, Turina o Granados también estaban presentes. Así que el impacto no pudo ser otro que impresionante. Fue tal que se puso en contacto al poco tiempo el influyente Joachim E. Berendt, que posteriormente le produjo el disco "Flamenco Jazz", ofreciendole una actuación en el gran Festival de Jazz de Berlín, en el año 1967, y la grabación del mismo concierto. 

En ese festival se codeó con Miles Davis y su quinteto, Thelonious Monk, Archie Shepp, Sarah Vaughan, Don Ellis, y muchos más. Pedro Iturralde participó en el apartado dedicado a la fusión del jazz, el conocido Jazz Meets The World. Fue ahí cuando el propio Berendt le sugirió a Iturralde que incluyera a un guitarrista de flamenco, algo que Iturralde no deseaba en principio por tener demasiado respeto al flamenco puro. Probó con varios guitarristas de jazz para que hicieran "giros aflamencados", pero el resultado no era safisfactorio, y así, después de varias pruebas a guitarristas, se encontró con una joven promesa que le recomendaron, y que luego acabaría siendo un icono de la musica universal, Paco de Lucía (que por aquel entonces era conocido como Paco de Algeciras). 

 En los "huecos" de los temas, el guitarrista universal daba rienda suelta a su flamenco libre y avanzado, provocando junto a la música generada por Iturralde y el resto de músicos de la banda, un hito en la música española y universal. La gran fusión, milimétrica e indestructible entre la cultura española y el jazz del lejano EEUU, se gestó en esos años. 50 años más tarde sigue más que vigente, y mantiene aún mucha pulsión de vida. Y la figura del maestro de maestros influyó a los grandes del jazz actual en España: Jorge Pardo, Carles Benavent, Javier Colina, Perico Sambeat, Gerardo Núñez, Javier Colina, Albert Marquès, y tantos otros. Todos tienen algo de Iturralde en sus corazones.
 Pedro Iturralde ha seguido siendo hasta sus últimos días un músico altruista y humilde, baluarte de la cultura hispana. Siempre llevó nuestra cultura consigo, traspasando fronteras. Y casi sin querer molestar a nadie se convirtió con luz propia en uno de nuestro mejores embajadores. Dentro de su trayectoria, repleta de éxitos y reconocimientos variados, está el Premio Príncipe Viana de la Cultura, la Medalla de Honor de la SGAE, o la medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes. Compuso también bandas sonoras y colaboró como solista con la Orquesta Nacional de España, sin olvidar lo mucho que hizo por el jazz en nuestro país y porque fuera aceptado en los Conservatorios. 

Solo decir en este día triste por su fallecimiento que su legado seguirá vivo. A los que desconocen la música de Pedro Iturralde, os recomendamos una discografía (seleccionada) que es auténtico patrimonio inmaterial de nuestro país: "Jazz Flamenco", "Flamenco Jazz", "Pedro Iturralde Quartet Featuring Hampton Hawes", "Etnofonías", "Complete Music for Saxophone and Piano", o "Una noche en el Central". Estas tres palabras: sinceridad, humildad, y honestidad, son las que he elegido para definir a Pedro Iturralde y su música. Sirva este artículo como homenaje y muestra de respeto. Nuestro más sincero pésame a su familia y amigos. Que la tierra te sea leve, maestro.

Reproduzco en el blog la necrológica que escribí el mismo día del fallecimiento de Pedro Iturralde. 
Se publicó en el periódico De Verdad, en la sección de cultura. 

(Sergio Sánchez)

25.5.21

Seefeel. El bendito problema de comprar reediciones.

La fractura de los sonidos abisales de Seefeel se ha hecho notar. Tras varios años en período de letargo, reeditan tres referencias de su período posterior al del sello mítico Too Pure. Me refiero al período de transición que hicieron a la electrónica más abstracta y áspera, la cercana a sus amigos Autechre. En este período que data de 1994 a 1996, publicaron un EP, un single, y dos discos de larga duración. Los trabajos reducidos fueron una transición acelerada hacia momentos de gran impacto sonoro, y que luego serían mejor transitados desde esa perspectiva de experimentación por uno de sus miembros en el proyecto Disjecta, Mark Clifford. Del sello indie más exquisito (Too Pure) de la primera década de los 90 (de ahí salieron PJ Harvey, Moonshake, Mouse On Mars, y Stereolab), saltaron sin red a otra discográfica fundamental, Warp. 

Ahí entendieron su mutación (natural) sin fisuras hacia mundos con subsuelos electrónicos. Y el siguiente salto, estratosférico, fue a Rephex. Con "Rupt and Flex (1994.1996)" se reúnen los trabajos tras su salida de Too Pure. Editado en una caja especial de 4 CDs con 43 canciones remasterizadas para la ocasión por el gran Stefan Betke, más conocido por su proyecto Pole. Un maxi, un EP, dos LPs, con remezclas de la época (Autechre), así como 22 bonus track. Estas rarezas eran dificiles de conseguir. Además, contiene un diseño exclusivo de los prestigiosos The Designers Republic, con apuntes del propio Clifford y Sarah Peacock. 

También están publicados los discos en doble y triple vinilo de "(Ch-Vox)" y "Succour", en edición (como ellos han denominado) Redux. Así como la suma en un doble LP del EP "Starethrough" y el maxi "Fracture/Tied". Desde su visión futurista en el campo del dream pop hasta el universo techno más arisco y esquelético, hay una delgada línea experimental que recorre el sonido de Seefeel. Un estilo construido y reconocible que se caracteriza por la tristeza y la melancolía como catalizadores de su estrategia musical. Tenemos en ellos otro ejemplo más de grupo de culto que trasciende una época, que se revisa con devoción, pero que nunca llegaron a cotas comerciales de coetáneos cuya estética se englobaba en las tendencias que imponía la prensa musical inglesa. 

La época dorada del grupo londinense hay que contextualizarla en el declive shoegaze, la irupción del grunge, y el clasicismo rancio del brit pop. De entre los muertos sónicos, surgieron estos casi alienígenas que nos invitaban a una forma más cósmica de escapismo. Sin tanta cobertura mediática, finalmente establecieron un camino seguido (e imitado) por otros francotiradores. Seefeel es uno de los nombres más revelarores de esa frontera exitante de los primeros años de la década de los noventa que flirteaba con el pop menos convencional y la electrónica alejada de los clubes. De ahí su relevancia casi treinta años después. 

Seefeel queriendo o no, se convirtieron en uno de los iconos de esa tercera vía adquirida por los oyentes más exigentes. Para quien no tenga alguno de estos discos, lo recomendable es adquirir estas reediciones. Pero si la discoteca está vacía de los trabajos de Seefeel, lo ideal sería adquirir ese caramelo en forma de pack llamado "Rupt and Flex". Bendito problema ese de comprar reediciones porque en la época de su publicación el dinero tenía que ser pintado. (Sergio Sánchez)

24.5.21

Víctor Nubla. DEP.

Hace ya meses de la triste noticia del fallecimiento de Nubla, uno de los más influyentes y anárquicos artistas de nuestro país. Tenía 63 años, y fue debido a complicaciones de una hernia. Su influencia fue grande. Muchos de sus proyectos y colaboraciones tuvieron gran trascendencia, a pesar de girar en mundos minoritarios. Es lo que suele ocurrir en estas latitudes. Desde la segunda mitad de los 70 siembre fue activista sonoro. Argonauta del barrio de Gràcia, volvió a publicar, no hace mucho, un nuevo disco de su proyecto más conocido, Macromassa. Seguía con el festival LEM de Gràcia Territori Sonor, y muchas actividades, como microtopies.
El último libro que recuerdo suyo lo publicó Blackie Books. Os dejo el enlace del tributo que organizó a través de un bandcamp Francisco López. 
DEP 



18.1.18

Presentación "Improvisación libre". Libro de J. L. Galiana

La Asociación Intonarumori, en colaboración con el Conservatorio de Murcia , organiza el próximo viernes 19 de enero (a las 21:00h) una presentación de un mítico libro sobre improvisación escrito por el teórico, y músico, Josep Lluís Galiana.
Será el propio autor quien lo presente, y además, junto al que desee incorporarse (jam), realizará un mini concierto improvisatorio, al que están invitados. Acceso libre.
El título del libro es "Improvisación libre. El gran juego de la deriva sonora", publicado por la Edictoralia. Texto fundamental sobre improvisación reeditado nuevamente.
Recuerden, será en el Conservatorio profesional de Murcia. A las 21:00h

Hemos organizado este acto como complemento ideal para el imprescindible taller que el propio Galiana impartirá en Blanca, gracias a Selu Herráiz y al Centro Negra (AADK). Inscripciones AQUÍ.

No se lo pierdan. Será el sábado 19 y el domingo 20 (con regalo de un concierto junto al maestro de la electroacústica, Carlos Suárez).
Es un taller de gran calidad e imprescindible para todos los que quieran adentrarse en el mundo de la libre improvisación.
http://aadk.es/noticias/improvisacion-libre-con-josep-lluis-galiana-sonora/
¿Cómo se llega a la improvisación libre? ¿Cuáles son los elementos que la
identifican y la diferencian de la composición escrita? ¿Se puede analizar una
improvisación libre? ¿Cómo se aprende a improvisar libremente? ¿De qué forma
se enfrenta el oyente a esta manifestación artística? ¿Qué papel juega el espacio y
el público para un improvisador libre? y ¿qué lugar ocupa el silencio en el
proceso creativo que activa la improvisación? son solo algunas de las numerosas
cuestiones que aborda este “texto de referencia”.
Entre la investigación etnomusicológica y el relato experiencial, el libro establece la deriva
situacionista como estrategia metodológica de análisis de los procesos de creación musical en tiempo
real que activa la improvisación libre, a partir de la construcción de dos situaciones sonoras en las
que un grupo de improvisadores organiza diferentes ambientes unitarios y juegos de
acontecimientos en dos espacios concretos donde concurren en el tiempo diversos elementos
artísticos. Siempre desde la práctica, este trabajo de campo brinda nuevas herramientas analíticas
que harán más cercana e inteligible esta manifestación artística y vital que surgió en la década de
1960 como un revulsivo en el marco del movimiento musical europeo contemporáneo.
En palabras del reconocido improvisador Agustí Fernández: “El relato de Galiana es ágil, cercano y
en ocasiones imprevisible al igual que una improvisación musical. Como una auténtica deriva
discursiva, también disruptiva, el proceso literario es sorpresivo e inconcluso, sin principios ni
finales; interactivo, porque incita al debate y al diálogo, y eminentemente participativo, puesto que
recoge el testimonio y las experiencias de otros improvisadores y músicos, provocando la reflexión
entre los lectores. En definitiva, se trata de un texto que deja abiertas puertas y ventanas a posibles y
futuras reflexiones, y a seguir derivando improvisadamente por esta emocionante forma de hacer y
escuchar música”.
Biografía:
Saxofonista, compositor, escritor, periodista, editor y gestor cultural destacado en la escena
internacional de la libre improvisación musical, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, la
investigación musical creativo-performativa y la divulgación cultural y artística, Josep Lluís Galiana
(València, 1961) ha estrenado sus composiciones y presentado sus trabajos musicales y ensayísticos
en importantes festivales de Francia, Grecia, Italia, Polonia, Suecia, Estados Unidos, China, Brasil,
Argentina, México, Costa Rica, Cuba y España.
Es autor de los libros Quartet de la Deriva (Obrapropia, 2012), La emoción sonora (Editorial Piles,
2014) y Escritos desde la intimidad (EdictOràlia Llibres i Publicacions, 2016), así como de
innumerables estudios musicológicos, artículos, críticas y ponencias sobre diversas cuestiones
artísticas, estéticas, filosóficas y culturales, publicadas en libros e importantes revistas especializadas
y medios de comunicación escritos.
Su catálogo abarca cerca de un centenar de composiciones y su discografía tiene más de treinta
referencias, habiendo compartido escenario con grandes personalidades de la libre improvisación
musical y del arte sonoro. Desde el año 2014, preside el Laboratorio para la Investigación de Procesos
Creativos Contemporáneos AD LAB y, en 2016, funda EdictOràlia Llibres i Publicacions y el sello
discográfico Liquen Records, especializado en las músicas improvisadas y experimentales.
Más información del autor en… www.joseplluisgaliana.com
EdictOràlia Llibres i Publicacions es un proyecto editorial vinculado a los procesos creativos
contemporáneos. Radicada en la ciudad de València desde su creación en 2016, la editorial surge de
la necesidad de (re)pensar la creación artística, sus procesos y herramientas, sus aportaciones e
implicaciones con la cotidianidad, así como sus logros y avatares en un momento de gran
entusiasmo por la creatividad.
edictoràlia música, dirigida por el músico, escritor y editor valenciano Josep Lluís Galiana, es una
colección centrada en cuantas reflexiones y debates se suscitan en torno a la creación musical y a sus
nuevas formas de manifestarse.
Más información: www.edictoralia.com
Ficha:
Título: IMPROVISACIÓN LIBRE. El gran
juego de la deriva sonora
Autor: Josep Lluís GALIANA
ISBN: 978-84-945465-3-2
Editorial: EdictOràlia Llibres i
Publicacions
Páginas: 238
Formato: 17 x 24 cm.
PVP (sin IVA): 19,23 euros
PVP (con IVA): 20 euros
Con la colaboración del Laboratorio de
Electroacústica (LEA-CSMV) y el
Laboratorio para la Investigación de
Procesos Creativos Contemporáneos

17.1.18

Un ruido recorre Iberia

"Una escena que ha pasado de embrión inconexo y desestructurado a un grupo amplio de músicos investigadores del sonido. Una escena que toma el relevo a sus maestros, gracias a la democratización y el abaratamiento de las tecnologías. 
En una época donde apenas podemos gestionar nuestros proyectos, individuales y/o colectivos. Nunca debe olvidar las siguientes preguntas: 
¿Quién tiene el poder?
¿A quienes nos enfrentamos los que aspiramos a cambiar culturalmente la situación actual? 
Nada de lo que nos ocurre puede entenderse sin partir de aquí. 
Y para dar un salto adelante, debemos abandonar el del clima derrotista que tenemos con ideas de resistencia, de avance a la defensiva con una óptica de "guerra de guerrillas" sin objetivo común. 

Lo que nos une a todos es el deseo de cambio, de transformar esta realidad que nos imponen y oprime. Por ello, no podemos permitirnos negar la verdad, que está en los propios hechos. Unos hechos más poderosos de lo que creemos. 

Hay que ir más allá de la participación en la recogida de las migajas que ceden los que gestionan nuestro propio dinero, la riqueza que nosotros mismos producimos como ciudadanos. No debemos tragar con la falsa idea de que solo podemos "huir al monte" y subsistir. Somos muchos, tenemos razón, y somos más fuertes de lo que podríamos pensar. 
Os dejo solo una pequeña lista pensada de memoria mientras escribo este texto, de la punta del iceberg de esta, nuestra grandísima escena, repleta de artistas que optan por otro mundo cultural, y de la que me siento orgulloso de pertenecer aportando mi granito de arena. 

¡Aviso! Faltan muchos por la mala memoria: 
Carlos Suárez, Durán Vázquez, Juanjo Palacios, LCC, Berio Molina, Ferrer Molina, Miguel Álvarez, Llorenç Barber, Montserrat Palacios, Josep Lluís Galiana, Avelino Saavedra, José Murcia, Sofía Bertomeu, Jorge Marredo, A.L. Guillén, Guillermo Torres, Marta Sáinz, Eli Gras, Darío Moratilla, Jorge Vicario, Francisco López, Miguel A. García, Daniel Del Río, X. Erkizia Radithor ER, Mikel Lauki, Edith Alonso, MKM, Luis Antero, Alonso Urbanos, Rafael Flores, Fernando Junquera, Miguel Carvalhais, Maile Colbert, Pedro Costa, Vitor Joaquim, Miguel A. Ruiz, Josep María Soler, Elías Merino, Grassa Dato, Víctor Sequí, Víctor Trescoli, David Area, David Díaz, Ernesto Ojeda, Joan Bages Rubí, Oriol Rosell, Miquel Jordá, Arturo Moya y Ruth Benavides, Óscar Vidal, Mario Montoya, José Vicente Gil Noé, Rubén lópez Cano, Javier Hernando, Pep Frías, Coagul, Marbe Negre, José Manuel Berenguer, Antonio Murga, Mynationshit, David J. Fonseca, Antony Maubert, Miquel Parera, Joan Parera, Emili Miró, Nacho Jaula, Juan Antonio Nieto, Juan Teruel, Lorena Izquierdo, Ana Béjar, Tsukiko Amakawa, Markus Breuss, Mark Cunningham, Xavier Tort, Juan Crek, Víctor Nubla, Ani Zinc, Javier Piñango, Sergio Blardony, Marcos Bernabé, Tais Bielsa, Edu Comelles, Merce Capdevilla, Susana López, José Luis López, Clara de Asís, César Pradíes, Kamen Nedev, Tomás Gris, Futanari, Sarah Luscinia, Ángel Arranz, Paco Micrez, Atilio Doreste, Paco Rossique, Andrés Garachana, José María Pastor Sánchez, Andrés Blasco, José Andrés Prieto, Henrique Fernandes, Primo Gabbiano, Ana Lana, Pepo Galán, Cidrón, Adrià Bofarull, EVOL, Anki Toner, Isabel García, José Joaquín Sánchez, Martí Guillem, José Guillén, Nanako Noise, Carlos Dal Verme, Diana Pérez Custodio, Rui Chavez, Jacobo Durán Loriga, Javier Carmona, Rui Almeida, Aitor Mudoh, Jaime Munárriz, José Iges, Javier Iriso, Ian Linter, Io Casino, Iona Pergo, Iury Lech, Javier Cabrera Roldán, Juan Jesús Yelo, Jesús Brotons, Toni L Querol, Arturo Lanz, Xoán-Xil López, Enrique del Castillo, Enrique Mateu, J.M. Costa, Pedro Montesinos, Adolfo Núñez, Bartolomé Ferrando, Nigul, Micro Palma, José Perelló, María Andueza, Joao Ricardo, Sarah Rasines, Carlos Suero, Ugo Fellone, Matilde Meireles, Wade Matthews, Virgilio Oliveira. 

Estos son solo uno pocos nombres. Espero que este escrito cambie, aunque sea un poquito, el ángulo desde el que los músicos al margen del sistema se ven a sí mismos. Todos nosotros, independientemente de nuestra ideología, rompemos radicalmente con el capitalismo agonizante y con todos sus putrefactos valores estéticos y artísticos. 
¡Que no se nos olvide! ¡Por supuesto que somos escena! Y muy viva a pesar de prohibiciones, marginación impuesta desde arriba y ejecutada por estómagos agradecidos que creen que han inventado la pólvora y que solo reproducen las mismas formas de gestionar la dictadura de la miseria. 

Por una escena rica y diversa que desarrolle satisfactoriamente cientos de proyectos. Sigamos uniendo fuerzas entre todos para acabar, de una vez por todas, con la precariedad y las políticas de austeridad organizadas por los centros de poder foráneos y autóctonos, desde el arte sonoro. Sin olvidar que tenemos que hacerlo desde el respeto a la diversidad de propuestas, y la solidaridad entre todos."
Sergio Sánchez, 2016.

9.1.18

Interferencias Vol I - CD Spanish Synthwave

Munster publica ahora dos volúmenes en cd y vinilo (febrero) sobre música minimal, industrial y principalmente synthwave (tecnopop), de la década de los años 80 producida en España.
El texto de los libretos está escrito por el artista sonoro murciano Sergio Sánchez Nicolás aka Jazznoize.
Pueden adquirirlo también en Discos Rotor.



Red Kite, proyecto de Sergio Sánchez en listas best of 2017


Los discos de Red Kite, "Sunburst" y "#1", publicados en 2017, has sido seleccionados por algunas revistas digitales y blogs especializados en música experimental, como uno de los destacados del año.
También su disco como Jazznoize "Obra sintética".
Pueden seguir la noticia en el siguiente LINK.

Reseña de Recent Music Heroes acerca de mi disco de Red Kite “Sunburst” : “This bunch of 13 tracks within the span of 63 minutes establishes a sonic universe filled in with disparate corners, ear-catching progressions and exuberant soundscapes where the listener can enjoy mellow timbres, elemental noises, natural sounds from our world, peaky glitches, creepy drones and elliptically iterative rhythms. At times you can perceive it as if vamped up of debris. As if a soundscape being collected from the bits of sonic junkyard. Ultimately it can be said there is a sort of bold line which unites all the details and minutiae with one another in a gentle way. Of course, the palette is even richer including such elements as hypnotic dream pop (Saloize iii), sublime IDM and glitch-tinged pop (Cetus) and profound ambient/space music (Sureste (Ciudad Inacabada)) which is a positive surprise in any cases. Behind the project is the Spanish musician Sergio Sánchez. This astounding outing is a part of the discography of Pan Y Rosas Discos from Chicago, Illinois, USA”.

Sergio Sánchez compone BSO de documental

Nueva banda sonora original para el documental de Guillermo Carnero Rosell. A cargo del músico experimental Sergio Sánchez aka Jazznoize.
El título:
Un lugar sobre las nubes.
A residence above the clouds.


Juan José Raposo en Auriculab

El profesor y compositor Juan José Raposo, ha publicado un excelente disco en el netlabel canario Auriculab.
Se titula Balbuca. Altamente recomendable. Uno de los primeros grandes trabajos de este 2018.

Nueva referencia de RIR. Sergio Sánchez - No estamos en venta

El netlabel República Ibérica Ruidista ha publicado su referencia nº 48. Fonografía social y militante en Murcia, a cargo del artista sonoro Sergio Sánchez aka Jazznoize. Una grabación directa de una concentración de repulsa a la esclavitud y maltrato en Libia. La manifestación la organizó la Faam (Federación de asociaciones de africanos en Murcia).

Latimeria: Best of 2017

El blog amigo Latimeria, de Madrid, ha realizado una cuidada selección de lo más interesante del 2017.