Publicado en el netlabel República Ibérica Ruidista.
De libre descarga.
27.2.16
A.L. Guillén o la profunda manifestación del sonido argárico.
Reproduzco la entrevista que realicé a Don Antonio Luis Guillén en el año 2013. A.L. Guillén es camarada argárico y excelente músico autodenominado anartista. Gestiona colectivamente el Gruppo Ungido, sede central cultural de la otra Almería. Distribuye obleas sónicas contra la mediocridad, el conformismo y la putrefacción capitalista.
Con Alternativas busco
solventar, en la medida de lo posible, las dificultades que grandes músicos
alternativos padecen para difundir sus trabajos sonoros. En teoría, estos
artículos deben servir para facilitar la escucha de música verdaderamente
independiente. A pesar de las facilidades y acceso a cualquier
aspecto de la producción musical, por las mejoras tecnológicas (estudios
caseros, software, laptop, etc) y por la difusión en la red (bandcamp y netlabels); muchos proyectos se
pierden en el olvido, siendo los amantes de la música bombardeados por los
mismos nombres y estilos; saturando nuestros cada vez más maltrechos tímpanos.
El primer músico que
proponemos como alternativa al Nuevo Orden Musical, es A. L. Guillén,
un polifacético e inquieto músico de rock experimental que acaba de publicar un
insólito disco con toques de Zappa destructivos. Se titula “Der Cucamongol
Cannibalizes Your Idol Unmatched“, y es un auténtico delirio
espectacular. Un auténtico ensayo sobre la obra del mismísimo Frank
Zappa. ¡Hay que ser valiente! El resultado es muy positivo.
Un disco conceptual con entidad propia. Nada sorprendente, si tenemos en
cuenta que Guillén es uno de los mejores guitarristas del país. En el catálogo
de Fnac, tenemos la suerte de poder
ofrecerles uno de los discos más originales e interesantes del panorama nacional en este 2013.
El loco de Zappa se compraría encantado el disco.
Hemos conseguido
entrevistar a Antonio Luis,
uno de los mejores músicos de este país y que ha colaborado con la “crem de la crem” del panorama
independiente.
Pregunta: ¿Cómo empezó todo? ¿Como surgió la idea de
grabar este disco?.
Antonio Luis: El disco surge como una propuesta directa de Luis G. de Hall
of Fame hace un
par de años. Progresivamente fuí esclareciendo como abordar el proyecto,
abandonando la idea de realizar un ejercicio de estilo, y pasando a concretar
un proceso de deszappinzación de lo que hubiera de Zappa en mí. Destruir
y construir sobre las ruinas… o algo así.
Pregunta: ¿En qué otros proyectos has trabajado
anteriormente?
Antonio Luis: Resumiendo al máximo, mi primer grupo serio ha sido Sefronia (un hermoso proyecto de otro-pop que
tengo con Angelina Olea desde 1999). He trabajado la
improvisación libre en proyectos como Alondra Satori, o Almayate (con Markus Breuss , Pelayo Arrizabalaga, Antonio Delgado
y Victor Vázquez); también comparto conJesús Alonso, e Ignacio Asensio, y proyecto muy intenso
de rock (de)generativo llamado Les Rauchen Verboten. Así mismo, gestiono una
netlabel y sociedad mistérica anartista llamada Gruppo
Ungido, con artistas relacionados de algún modo con el sur de
la península, amén de trabajos en solitario que voy editando, varios de ellos
con el poeta granadino Fernando Jaén.
Pregunta: Has estado caminando siempre por el mundo
alternativo y experimental. ¿Crees que existen barreras que impiden que
trabajos como el de Der Cucamongol sean conocidos como merecen?
Antonio Luis: Es evidente que
hay barreras que pueden resultar frustrantes, sobre todo teniendo en cuenta que
nos alimenta la comunicación con alguien, con alguno. Pero llegado a un punto
de madurez, debemos tirar las botellas al mar con los mensajes
más hermosos que sepamos hacer, sin esperar nada en concreto;
cualquier semilla o proceso puede surgir de cualquier acto o ejemplo. Puede
llegar a ser paralizante esperar repercusión y no encontrarla, simplemente
debemos hacerlo, recordando siempre porqué lo hicimos el primer día, y
disfrutar creciendo cada día; disfrutar mucho con las “pequeñas repercusiones”.
Una actitud así desde luego que resiste ante las nociones utilitarias y
de “trepismo” que suelen ser moneda común en estos mundos.
Pregunta: ¿Es por tanto la unión de músicos una salida
para afrontar con éxito un proyecto musical?
Antonio Luis: Formar redes
entre seres cualitativamente y espiritualemente afines, pero absolutamente
abiertas, es la única economía política posible que suponga “éxito”, en la
noción que cada cual tenga por “éxito”. Ésteo en este caso se valora en
términos de comunicación y crecimiento.
Pregunta: Tus influencias musicales.
Antonio Luis: Incontables influencias, aunque diría que me siento muy
atraído por músicos en los que se hacen evidentes visiones muy personales de
tradiciones muy profundas (Beefheart, Partch, Van Dyke Parks, Messiaen, White
Noise, etc). Cosas que huelen a tierra y a pneuma, de profundis, pero con una
estética extrema. Quizá no me explico bien, pero sé que me gusta.
Pregunta: Grupos nacionales que te gustan y con los que
te gustaría trabajar.
Antonio Luis: Sinceramente no controlo demasiado la escena nacional en
cuanto a rock y pop. Rosvita no me desagradan que recuerde ahora
mismo. Donde sí hay una explosión evidentemente es el mundo del “arte sonoro“, por proximidad Jazznoize debería ungirse. Batiscafo, Dal Verme, Carlos Suárez. Todo eso es destacable,
colaborable.
Pregunta: ¿Sigue siendo la música experimental una
sublevación contra los cánones estéticos establecidos?
Antonio Luis: La música
experimental, o en general periférica, viene siendo el ruido que necesariamente
anuncia la disolución próxima del capitalismo; el funcionamiento horizontal, el
colaboracionismo. Y otras muchas características de funcionamiento de estos
músicos, están anunciando la única vía de escape a la gran deflagración.
Y eso tiene un sonido, que no es corporativo, claro.
Pregunta: ¿Que sonido, acorde o ruido usarías para
acabar con la crisis económica y moral que sufrimos en España?
Antonio Luis: ¿Un dúo de
Hildegarda de Bingen con Phil Niblock? En otras palabras: un
“reseteo”, suave y peligroso, no advertido, un violencia suave de esa que
cambia los valores que el neoliberalismo nos ha introducido en el cerebro. Eso
no lo pueden hacer los Stooges.
Pregunta: ¿Como traduces tu universo sonoro en los
directos?¿Cuál es tu modus operandi?
Antonio Luis: He probado
multitud de opciones y formatos, jamás relacionados con reproducir una
grabación. Con Sefronia o V.G, el músico debe improvisar casi formalmente sobre
el patrón de la canción, y el espectro tímbrico varía en cada concierto
(eléctrico, electrónico, acústico). Con este nuevo disco “zappiano“, han colaborado tantos músicos
(Juanjo Simón, Nadia Martínez, Justo
Bagüeste, Piotr Wegner, Breuss, Arrizabalaga,etc) que en caso de
tocarlo en directo, todo deberá ser creado de nuevo. Gozo continuo creativo
puede equivaler a considerables quebraderos de cabeza, pero…¡exigimos lo
imposible!
Pregunta: ¿Proyectos en mente?
Antonio Luis: Con Les
Rauchen Verboten estamos
terminando una participación en un interesante proyecto deJavier Corcobado, y empezando grabar
nuevo disco. Sefronia está empezando a grabar su cuarto
disco. Gruppo Ungido continúa con una actividad febril e
ilusionante por el recibimiento, tanto en lanzamientos (los próximos
Stahlfabrik, Antonio Murga)
como por la preparación de la celebración de un Misterio
Art Bruitistacon Stahlfabrik y MyNationShit. Así mismo estamos organizando para este verano
en un lugar emblemático de Almería un encuentro sobre espiritualidad y artes
experimentales. También acabo de producir el segundo trabajo de Punk
Buró. En fin, non stop, goodspeed!
Pregunta: ¿Algo que quieras decir a los lectores?
Antonio Luis: ¡Os quiero y trabajo por vosotros!. Un saludo.
Entrevista realizada por Sergio Sánchez. Publicada en 2013 para el extinto blog de Fnac.es.
23.2.16
Sonar históricamente
Nos comprenderán a través de los sonidos.
Proyecto sónico dirigido por Sergio Sánchez que pretende registrar la historia presente a través de grabaciones de campo. Mediante la conservación sonora de nuestra época, y a través de registros sonoros que capturan realidades concretas, las generaciones posteriores podrán conocerse mejor a través de la comprensión de su propio pasado.
Proyecto sónico dirigido por Sergio Sánchez que pretende registrar la historia presente a través de grabaciones de campo. Mediante la conservación sonora de nuestra época, y a través de registros sonoros que capturan realidades concretas, las generaciones posteriores podrán conocerse mejor a través de la comprensión de su propio pasado.
15.2.16
Entrevista a Servando Carballar
El Aviador Dro y sus obreros
especializados se presentaron por primera vez ante la humanidad en 1979.
Sus propuestas iban más allá de lo meramente musical. Sus ideas transgresoras
intentaron transformar la sociedad a través del anarquismo futurista
y el desarrollo científico como bien social. Aún siguen
llevando a la práctica su pensamiento. Son, con sus mutaciones y variables, un grupo
emblema de lo moderno en la música española. Dentro del pop
electrónico o el tecno pop, apenas había nada antes de ellos. Y
siguen muy vivos. Servando Carballar, icono de la vanguardia pop en
España, es el equivalente a un híbrido perfecto entre todos los
miembros de Kraftwerk, The Residents, Bakunin y New
Order. Si tuviera un DNI con nacionalidad alemana, tendría ya una calle a
su nombre, y no solo por su música, sino por ser el valiente impulsor del sello
DRO.
Pero en este país que identifica Movida con Los
Secretos, el desarrollo musical del Aviador ha seguido su camino en un
mundo paralelo. De sus entrañas surgen guerrilleros futuristas
con secuenciadores bajo el brazo en lucha contra imperialistas
planetarios. Nuevamente editan una ópera espacial científica sobre
la vida futura, creando una perfecta simbiosis de
armonías, melodías comerciales y electrónica teutónica. En "La
voz de la ciencia" presentan un programa especial
para evitar la destrucción de la raza humana por el capitalismo tecnológico. La
ciencia constructiva frente a la sinrazón. Atrás quedaron sus sintéticas
arengas de militantes cyborg faltos de temor. Podrían dominar
el átomo con unos sabios acordes, y crear vida artificial a partir de
un puñado de compases rítmicos para destruir todo lo inmovilista del pasado.
Algunas de sus letras son proféticas y gracias al apoyo de científicos plantean
una serie de tesis sobre lo necesario de la mejora científico-tecnológica para
el progreso.
Hemos
charlado unos minutos con el alma mater del Aviador, Servando Carballar,
y nos ha respondido a unas preguntas:
A pesar de los cambios de formación, ¿el ideario
del Aviador sigue vivo? "La voz de la ciencia" me recuerda a
"Síntesis", no tanto por su ideario sino por ser un disco
tremendamente conceptual, algo que hoy día se ha perdido un poco.
S. C.:
En realidad cada vez nos resulta más complicado crear un disco sin un
"concepto". Como decimos en nuestro manifiesto de la "Música
Aumentada", incluido en el disco, los músicos debemos
evolucionar para encontrar nuestro espacio en la era digital. Ya no basta con
crear canciones. Hay que participar y trabajar de cara a la sociedad.
Transformarnos nosotros y ayudar a transformar el mundo. El discurso del
Aviador Dro sigue siendo el mismo: La utilización de la ciencia como herramienta
de progreso. Solo que ahora el discurso se entiende mejor que en 1979.
El sonido aviador sigue siendo inconfundible a
pesar de la evolución y desarrollo tecnológico de instrumentos y técnicas de trabajo musical (de
lo analógico a lo digital, sampler, etc.). ¿Crees que esto es una liberación, o
un lastre que somete el resultado final al uso de instrumentos?
S.C.:
Es fantástico que ahora todo el mundo pueda crear música con su ordenador
personal y un poco de imaginación. Esta democratización permitirá integrar la
música de una manera natural en la vida cotidiana. Haremos un perfil de
facebook e introduciremos nuestra canción. El siguiente paso será trabajar con
sistemas inteligentes. Nuestro ordenador será nuestro compañero y sugerirá
labores creativas. Al final podremos grabar música con solo pensarla
o emitirla directamente desde nuestra mente con dispositivos cibernéticos.
En Latinoamérica tenéis muchos y fieles
seguidores, ¿se va a distribuir en esos países?
S.C.: Esperamos
que si. Aunque eso es labor de PIAS. En realidad ahora el hardware, el
"disco", es solo un elemento más. Todo está disponible digitalmente.
No hay barreras.
¿Cómo se ha gestado e ido tomando cuerpo el
proyecto de "La voz de la ciencia"?
La edición es una gran apuesta, dado el tipo de propuestas que se presentan hoy
día con ediciones cutres que a no ser que sean cajas antológicas. Vuestro caso
es diferente, un disco y con exquisita edición formato libro, de edición
limitada.
S.C.:
En este caso PIAS se ha esforzado por reflejar nuestra idea. Esto es de
agradecer hoy en día. Por otra parte es lógico ofrecer algo diferente en
formato físico que lo que obtendrías igualmente descargando el disco en
i-tunes. Debe haber un valor añadido. Algo físico que te una a la banda.
Queríamos recuperar la sensación que se tenía cuando comprabas un vinilo: un
momento especial en el que ibas a descubrir el trabajo de unos tipos encerrados
un buen montón de tiempo en un estudio. El proyecto tiene unos diez años
de antigüedad pero nos pusimos a ello en 2010.
Ha sido un trabajo arduo contactar a todos
los científicos y explicarles la idea. Lo mejor fue ver que la idea les
encantaba. Teníamos miedo de que les pareciese una frivolidad, pero en lugar de
eso nos recibieron con los brazos abiertos.
¿En qué se diferencia de los anteriores discos?
S.C.: Es
nuestro primer disco elaborado bajo el esquema de nuestro manifiesto de la
música aumentada. Si bien es una evolución del tipo de trabajo que hicimos en Síntesis
y Mecanisburgo. También es un proyecto abiertamente
disciplinar que incluye blogs, gira por centros científicos.
¿Que momento crees que vive actualmente la música
en España? ¿Que opinas de la ley Sinde, el Creative Commons y las Netlabels?
S.C.: Creo
que Internet pone en manos de los creadores la posibilidad de un gran control
sobre la obra propia y la capacidad de prescindir de intermediarios. Las
legislaciones tienen que adaptarse sin criminalizar al usuario. Son las
operadoras las que necesitan contenidos y el pago de derechos no puede ser injusto
ni arbitrario como se ha hecho hasta ahora. Los músicos tendremos que vivir del
directo, el merchandising, asociarnos con marcas y empresas como en la época de
los mecenas. La música tiene miles de años y el pago de derechos muy pocos.
Luego los músicos no dependemos de los derechos.
Háblanos un poco de lo que nos está
sucediendo en nuestro país, con la crisis, los ajustes draconianos, etc. ¿Son
los mineros en lucha y marchando a Madrid, lo más cercano a unos obreros
especializados?
S.C.: Pues
nos dan ganas de cambiar el uniforme al de los mineros. Estamos contemplando el
mayor ataque del capitalismo salvaje a la sociedad desde la revolución
industrial. Asistimos al desenmascaramiento de una falsa democracia en manos de
los financieros y las mafias. Es inadmisible.
Próximos proyectos, giras, etc. Llevaremos
la Voz de la Ciencia al Jardín Botánico
de Madrid el 22 de Septiembre. También queremos ir a Zaragoza Valencia,
Donosti, Coruña, Sevilla. Estamos trabajando en crear estos eventos entre el
segundo semestre de 2012 y el primero de 2013, Y en 2014 abordar nuestro
segundo proyecto aumentado.
¿Que opinas de las versiones y homenajes
que ha recibido aviador en estos años por grupos indies de generaciones
posteriores.
S.C.: Nos
encantan. Es estimulante.
¿Han variado tus gustos musicales? ¿Tus grupos
favoritos siguen siendo los mismos? ¿Qué destacarías de la escena actual?
S.C.: Escuchamos
mucha música. Desde XX a los Ting
Tings o CSS. Me encantan Bat
for Lashes o Mikachu.
Algunos músicos están escribiendo novelas o
libros de poesía (Antonio Luque de Sr Chinarro, o Víctor Nubla de Macromassa).
¿Te adentrarías en ese mundo literario?
S.C.: Lo
curioso es que empezamos creando fanzines. Desde luego nuestros proyectos
aumentados futuros irán por ese camino.
¿Algo que comentar más?
S.C.: ¡Libertad,
Igualdad y Electricidad!
Publicado
originariamente en el blog de Fnac.es
(2012)
Por Sergio Sánchez
11.2.16
Mark Bell y el nacimiento del techno en Europa
Bell formó en la ciudad norteña de Leeds un proyecto techno denominado LFO (Low Frecuency Oscillation), junto a su amigo Gez Varley.
Siempre será conocido por su primer éxito en 1990, publicado por Warp, que
surgió en la vecina Sheffield (histórica ciudad donde surgió un nutrido proyectos
de synthpop y techno con marcada influencia industrial), una la ciudad que no incitaba
precisamente al "flower-power"
Si no recuerdo mal (porque estoy
"tirando del disco duro-memoria"), su primer éxito y obra cumbre del
techno europeo se incluyó en la primera referencia del sello, un recopilatorio
"Pioneers Of The Hypnotic Groove", donde ya aparecían luminarias como
Autechre, Forgemasters (Robert Gordon), Sweet Exorcist (Richard H. Kirk y Dj
Parrot), o Nightmares On Wax, entre otros. Recuerdo las sesiones pinchando ese
vinilo que compró un amigo. Desconozco cómo lo consiguió porque se descatalogó
pronto. Ahí nació lo que a posteriori, y de manera conceptual, se conoció como
intelligent techno (ridícula etiqueta), un techno a la europea con un sonido
característico denominado bleep, donde LFO y su primer bombazo con título
homónimo, dieron el pistoletazo de salida a otros proyectos imponentes editados
por el sello británico.
La lista es apabullante: los diseñadores The
Designers Republic, Autechre, B12, Aphex Twin (Polygon Window), Black Dog, Coco
Steel & Lovebomb, Drexciya, Richard H. Kirk, Red Snapper, RAC, Kenny
Larkin, Sabres of Paradise, Speedy J, Jimi Tenor, FUSE, Squarepusher, o
Jacke Slazenger (alter ego de Mike Paradinas). Además, de ahí surgió la serie
más importante del techno "Artificial Intelligent" donde la portada
lo explica todo, música para escuchar y no solo bailar, aunando ambient,
breaks, psicodelia electrónica y techno. La electrónica de sofá acababa de
nacer. También fue influyente el recopilatorio y otras como "Blech".
Acababa de nacer un subgénero, etiqueta, estilo o como quieran definirlo... el
IDM (no confundan con el nefasto EDM). Pero tras un intento de síntesis de la
importancia del sello Warp en unas líneas, sigamos con Mark Bell y sus
proyectos.
LFO publicaron poco después (1991 y tercera
referencia del sello Warp) la obra maestra "Frecuencies", que incluía
además de sus ya publicados singles "LFO", y "We Are Back"
himnos como "Tan Ta Ra", "Simon From Sidney", su declaración
de intenciones sobre el acid house en "Intro" y "Nurture".
¿Era su sonido innovador? Totalmente. Crearon algo nuevo de la suma del techno
norteamericano, el electro y la escena acid aportando sonidos de baja
frecuencia, distorsiones sucias, oscuridad y ritmos robóticos que maman del
hip-hop. Y hablando de robots, cuando Karl Bartos (Kraftwerk) escuchó
"Frecuencies" llamó rápidamente al sello porque le había impactado
ese sonido, intentando grabar algo con ellos, pero finalmente por diversos
motivos no cuajó la colaboración. Esta anécdota explica la importancia vital
del primer disco de Mark Bell, ¡uno de Kraftwerk molestándose para contactar
con unos jovenzuelos". Los que escuchen por primera vez "LFO"
con esos bajos graves y sonido gélido podrían pensar que es la última
producción del sello moderno del año, pero se publicó hace casi 25 años. Mark
Bell nos mostró el futuro, y demostró que ellos eran el equivalente al Detroit
Techno. Solo algunos de la despreciada escena belga, y si me apuran, holandesa,
consiguieron reconvertir lo que importaron de Norteamérica en algo propio. Y lo
que nadie podrá quitar a Bell es que sea recordado como el que parió (tal vez
sin quererlo) de forma rupturista, el primer gran álbum de techno en
Europa.
Y si LFO recogió las influencias de la
escena más punk desde el punk (el acid house del 88) presentando himnos que
representaban un nuevo lenguaje sonoro que desplazaría masivamente al rock
pocos años después, la frialdad de la crítica al publicar su segundo disco, 5
años después, fue un auténtico varapalo para uno de los proyectos más
personales que parió la escena electrónica británica. Un lustro casi en
silencio son muchos años, y los nuevos genios electrónicos dieron varios pasos
al frente, desarrollando una escena que LFO fue parte esencial. "Advance"
ya no era tan avanzado. Fue un excelente disco que por similitudes con otros
monstruos apabullantes como Autechre, fue menospreciado injustamente.
Estaba a medio camino entre el lado más
arisco de la escena y la ciberdelia más comercial. "Ni chicha ni
limoná" como algunos dicen, y Aphex Twin, Mike Paradinas, Underworld,
Orbital, Morgan Geist, Luke Vibert, por dar algunos ejemplos, ya habían
presentado algo más que sus credenciales. Un disco desigual y anclado, pero
para nada intrascendente, como muchos críticos que ahora lloran por su muerte,
publicaron en su tiempo
Tras algunos proyectos bajo el paraguas de
otros alias, Bell reapareció con el tercer larga duración de LFO, su proyecto
más famoso. "Shealth" publicado 7 años después de
"Advance", en 2003 fue considerado como otro disco bueno más de la
escena electrónica. Les recomiendo que lo escuchen, resume toda la creatividad,
pasión y experimentación de Bell. Es un disco donde desarrolla, pule y ahonda
en los cimientos que ya aparecieron como el sonido que él mismo
confeccionó. Es un disco excelente que como con el anterior debemos
reivindicarlo. La juguetona "Mokeylips", la terminal y vigorosa
"Snot", la melódica "Moistly", o la famosa del disco, el
single "Freak", bien merecen un monumento.
Ahora que todos los modernos adoran a
Grimes, y otros proyectos similares, deberían escuchar por primera vez, la
colosal "Unafraid To Linger", tal
vez comprendan las influencias de sus ídolos actuales. Reconozco que hace
cuatro o cinco años que no escucho "Shealth", mientras escribo estas
líneas me doy cuenta lo injusta que puede ser la prensa, devorando a los que
antes les daban de comer.
Publicado originariamente en Fnac.es
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