Ani Zinc: diseñadora de estrellas. Entrevista.

Sigamos el camino de baldosas electrónicas para en esta ocasión estacionarnos en el universo de María José González, que con el pseudónimo de Ani Zinc protagonizó una de las mejores páginas del  movimiento electrónico en tierras ibéricas. Salvando las distancias, y sin caer en la locura, podríamos afirmar sin pudor que Ani Zinc, a través de su participación en Diseño Corbusier y su proyecto paralelo Neo Zelanda, ha sido y es nuestra Cosey Fanni Tutti. Y debemos gritarlo con orgullo.

Sin obligaciones con nadie, excepto con sus principios y gustos sonoros, Diseño Corbusier (D. C.) emprendió una carrera al margen de la industria musical establecida. Sus canciones se difundieron y obtuvieron más respeto fuera de nuestras fronteras. Tampoco sonaban en los medios de masas populares, a excepción de algún reportaje en programas minoritarios como Metropolis (TVE). Consideraban lo que hacían no como una mercancía más para consumir, ni como un medio para alcanzar una popularidad (entendida como sinónimo de éxito) sino como arte. La perseverancia fue una de sus virtudes llegando a crear un sello discográfico propio. D.C. eran de los que no se dejaban dominar. Sus ideas eran indestructibles y no fueron moldeados por nadie.

Ahora son aceptados por el revisionismo periodístico, pero lo triste es que haya tenido que pasar más de 20 años para que se les reconozcan como visionarios y talentosos. Como decía el refrán, “nunca es tarde…”Incoformistas por no repetir viejas fórmulas, nunca fueron serviles,  y tenían el control de lo que hacían. Voy a utilizar unas palabras del crítico musical Everett True, D.C. “no eran puro trámite estético, prometían hacerte la vida mejor“. A mi juicio, lo consiguieron.

He aprovechado la ocasión de la afortunada reedición del segundo trabajo de Diseño Corbusier (D.C.), titulado “El alma de la estrella“, para realizar unas preguntas a Maria José (Ani Zinc) sobre su carrera musical y este disco de culto que el sello Munster (que ya no se dedica solamente a bucear en los sonidos más salvajes del rock) nos facilita  a muchos poder acceder a estas grabaciones injustamente olvidadas. Solo se puede conseguir en vinilo, siendo una edición limitada y numerada de solo 500 copias. 

Diseño Corbusier, fue uno de los más ilustres proyectos de la escena industrial y experimental de la música española, y también de los pocos grupos capaces de codearse con otras luminarias de la música electrónica de los ochenta a nivel internacional. Si no me equivoco, ellos empezaron a jugar con máquinas y cintas de cassette en 1982. Para verificar la importancia de sus propuestas musicales, acudan al recopilatorio coordinado por Trevor Jackson (Playgroup) para el sello Strut Records, llamado “Metal Dance”.  El único grupo nacional incluido ahí ha sido Diseño Corbusier, una buena noticia teniendo en cuenta que las bandas en ese doble cd (también disponible en vinilo) son históricas en esto de la vanguardia electrónica, el EBM y el post-punk de corte sintético.

Vamos a conocer, descubrir o refrescar nuestra información sobre la historia de uno de los grupos de culto de la escena ibérica, gracias a la entrevista a Ani Zinc. Y gracias a Munster ahora no hace falta gastar nóminas íntegras para adquirir una de sus grabaciones, concretamente su segundo disco “El alma de la estrella”.

Pregunta: ¿La propuesta e intencionalidad de Diseño Corbusier (D.C.)?

R: D.C. era el grupo que formamos Javier G. Marín y María José González (alias Ani Zinc, y Neo Zelanda) en Granada desde principios de los años ochenta. Surgió de la fascinación por la música de vanguardia, electrónica y experimental que nos llegaba por diferentes medios (Radio 3, Radio Popular de Granada, revistas como Vibraciones o Star) y que nos dieron a conocer grupos como Throbbing Gristle, Flying Lizard, The Residents o Esplendor Geométrico. Grupos que nos inspiraron para seguir un camino alejado de la clásica composición de grupo (guitarra, batería y bajo) y dejarnos seducir por las voces y ritmos pregrabados (caja de ritmos, cassettes). Era un sacrilegio total para aquellos tiempos de  rock ´n ´roll. Para nosotros era fundamental la presencia de sonidos repetitivos, ruidos, voces distorsionadas, una base rítmica, y una buena dosis de sentido del humor.

Pregunta: ¿Cuáles eran vuestras influencias? Aparte de Comando Bruno ¿Había algo similar en Andalucía? ¿Qué relación teníais con otros grupos nacionales?

R: Aparte de los grupos antes citados, nos gustaban bandas como Kraftwerk, Cabaret Voltaire, DAF, Portion Control, SPK, 23 Skidoo, etc. Para mí, con mi propio proyecto Neo Zelanda, fue fundamental la música de Laurie Anderson, Diamanda Galas, Chris & Cosey, y en España, Llorenç Barber, del cual tuve la fortuna de escuchar una composición en la radio, quedando tan prendada de la voz y el silabeo repetitivo de la cantante, que desde entonces quise hacer algo parecido, salvando las distancias, claro.

El ambiente musical en Andalucía no me parecía muy diferente al del resto de España. En los ochenta había un ambiente general de cambio, de ganas de hacer cosas, una sensación de efervescencia. En Granada surgieron muchos grupos que tenían facilidad para grabar una maqueta, pero después no había nada más. Seguíamos lejos de la industria discográfica y salas de conciertos, aunque esas maquetas podían oírse en la radio y podían participar en concursos, pero pocos grupos llegaban a grabar un disco.

En nuestro caso fue más difícil todavía, porque no encajábamos en los esquemas de grupo tecno-pop que era lo que buscaban las discográficas. Así que había que buscar por otro sitio. Contactamos con sellos independientes como DRO. En el sello de Servando (Aviador Dro) editamos el single de Neo Zelanda “Paso hambre”.  Sobre el sello 3 Cipreses hay una historia peculiar. A Gabinete Caligari les pedimos por correo su primer disco y … ¡sorpresa!, vinieron ellos en persona a traérnoslo. También teníamos contacto con otros grupos: Esplendor Geométrico, La caída de la casa Usher, Interacción, Mar otra vez;  con fanzines como ADN, Mental, y muchos que ahora no recuerdo. También con sellos como Necronomicón, Ortega y Cassette.

Rafael Flores (Comando Bruno) y yo éramos del mismo pueblo (Andújar). Él me presentó a Javier, y los tres empezamos a realizar nuestros primeros pinitos, las primeras maquetas con el nombre de Diseño Corbusier. Redactamos un fanzine llamado Euro, dentro de la agrupación Laboratorios No. Después de un corto período de colaboración, los grupos D.C. y Neo Zelanda formamos nuestro propio sello Auxilio de Cientos, y Rafael continuó trabajando bajo diferentes nombres desde Andújar.

Pregunta: Sobre la historia de Diseño Corbusier, ¿puedes aportarnos información sobre vuestra discografía, directos, etc? ¿A qué te dedicas actualmente?

R: A finales de 1981 Javier G. Marín puso un anuncio en un periódico buscando interesados en formar un grupo.Rafael Flores contestó a ese anuncio porque le pareció que los grupos en él citados eran de su agrado (Throbbing Gristle, Flying Lizard). Así comenzaron los primeros ensayos de Diseño Corbusier además de la edición del fanzine antes citado. Después me agregué yo y puse la voz en algunos temas (“Pudor rojo”), y al mismo tiempo yo sola experimentaba por otros caminos (Neo Zelanda). Estaba interesada en la utilización de la voz sin instrumentos, la poesía fonética, el collage y el ruido puro. Así, manipulando una vieja radio y cintas de cassette, surgió “Radio Sabotage“. Era una cinta C-60 que incluía “Paso hambre”. En junio del 82 enviamos una maqueta recopilatoria de los grupos al programa “Esto no es Hawai” de Radio 3, y en septiembre “Paso hambre” de Neo Zelanda y “La esperanza está en Atenas” de D.C, obtuvieron ¡400! votos en la elección de la canción del verano. Ahí ya empezamos a ser un poco conocidos. En octubre de ese mismo año formamos Auxilio de Cientos, abandonando la agrupación Laboratorios No, que continuó con Rafael Flores.

En mayo de 1983 se editó el primer single de N.Z. en sello Dro, que incluía los temas “Paso hambre” y “Francés básico” con portada de Javier G. Marín. También se grabó un single de D. C. que no llegó a editarse. Dos meses después, ya bajo nuestro sello, publicamos y distribuimos la primera cassette de Diseño Corbusier “Stadia” y la segunda de Neo Zelanda “Extenso mundo brillante”. Nuestro primer concierto se produjo en marzo del 84, en la I Muestra de Pop-Rock y otros Rollos de Zaragoza. Por esa época participamos también en la Semana de la Imagen y la Música Actual, en el Palacio de los Cordova, en Granada, junto a Gabinete Caligari, 23 Skidoo, La Caida de la casa User, Interacción, y Konstructivists. Existía una grabación en cinta de ese concierto que estaba en muy mal estado, y que un amigo, Jorge Javier Soler, ha logrado recuperar y restaurar.  Un año después editamos 500 copias del primer lp de D.C. “Pérfido encanto“, y una compilación internacional de bandas formadas por una pareja. Se tituló “Pas de deux“, con grupos como Bene Gesserit, Algebra Suicide, Viscera, y otros tantos. Publicamos también el lp recopilatorio “Terra incognita I” con inéditos de grupos como Zazou, Nodland, Lema, DDAA, Ptose, Twilight Ritual, etc. Por último, ya en 1986 se publicaron los vinilos de Twilight Ritual “Rituals”, el recopilatorio feminista “Femirama”, “Mix Zelanea” de Neo Zelanda, la segunda parte de “Terra incognita”, “The Story of Nipper” de Luto (grupo de Sevilla) y nuestro recientemente reeditado segundo disco “El alma de la estrella“.

A partir de ese año, el grupo se disolvió. Yo terminé psicología y encontré trabajo. Javier se marchó a vivir a Madrid, y ninguno nos dedicamos actualmente a grabar música. Yo trabajo en un centro de discapacidad, y aunque sigo escribiendo, pintando y haciendo otros trabajos creativos, no he publicado nada. Lo hago solamente para canalizar mi “hiperactividad”.

Pregunta: ¿Participasteis en el mundo del Art Mail?

R: Este intercambio de correspondencia artística internacional (que tanto se parece al intercambio de archivos por internet) proporcionaba una manera rápida y barata de conocer grupos e intercambiar y vender cassettes, aunqeu fueran de 500 copias. Todos acudíamos a la revista de referencia: la canadiense CLEM (Contact List of Electronic Music) o la belga Cassette Gazette. Nosotros participamos en la revista de arte italiana Area Condizionata con una cassette y un pequeño collage. También nos servimos del mail-art para organizar un concurso internacional de diseño del logotipo de nuestro sello.

Pregunta: ¿Auxilio de Cientos como plataforma para dar a conocer a otros grupos?

R: Ante las dudas que nos planteaba DRO para distribuir el disco de Diseño Corbusier, que ya estaba grabado, decidimos que lo mejor era hacerlo nosotros mismos y comenzamos la distribución internacional de cassettes y discos de música experimental y electrónica contemporánea. Empezamos distribuyendo en España la cassette de Graf Haufen Tapes “Some Waves” con 23 grupos entre los que destacaban Taynna Witisa, Esplendor Geométrico, The Actor, non Toxique Lost, etc. Junto a nuestros grupos, también distribuíamos a gente como Pseudo Code, Maurizio Bianchi, Synthetisches Misch, y recopilatorios como Contactdisc, Katacombe, y un largo etc.

Pregunta: ¿Puedes contarnos la historia de la reedición de vuestro segundo disco y la inclusión de una canción en el recopilatorio de Trevor Jackson?

R: Todo ha ido muy rápido. Por una parte, el dj Angel Molina contactó conmigo a través de otro dj de Granada amigo mío (Sergio Cáceres), y me comunicó el interés de Trevor en editar un recopilatorio de la música industrial desde 1980 hasta 1988, “Metal Dance“, en su sello Strut, y que nuestro tema “Golpe de Amistad” podría ser uno de los que formara parte del recopilatorio, junto a grupos como Cabaret Voltaire, Yello, Nitzer Ebb, DAF, SPK… Javier hizo todos los trámites con el sello inglés y el disco salió a primeros de 2012. Paralelamente también aquí en España, Munster editó otra recopilación “Tensión: Spanish Experimental Underground” junto a grupos comoLa Fundación, 429 Engaños, etc. Por último, este mismo sello acaba de reeditar nuestro segundo disco de Diseño Corbusier “El alma de la estrella” en vinilo y con una tirada limitada de solo 500 copias.

Pregunta: ¿Estás interesada en volver a grabar o colaborar con músicos actuales? ¿Existe la posibilidad de retomar D.C.?

R: No sé… todo está pasando a una velocidad increíble. Hace dos o tres años yo era ajena a todo esto. Estaba desconectada del mundo de la música, y entonces leí comentarios en internet ensalzando nuestro trabajo, compartían grabaciones que ni yo tenía… Hay mucha gente que se ha puesto en contacto conmigo y con Javier con proyectos interesantes, así que no descarto nada. Pienso que sigue siendo una música actual, aunque minoritaria, pero ahora la minoría es más global. Me parece que la gente está cansada del sonido de máquinas cada vez más inteligentes que componen solas, y además, el sonido es siempre igual. Creo que vuelve el espíritu de “háztelo tú mismo” mezclando tecnología actual con sonidos naturales, voces simples, ruido, lo analógico en general, el vinilo, etc. Y claro, los jóvenes quieren conocer las fuentes, el origen de todo esto.  Sobre nuestro catálogo, puede que se reedite también nuestro primer disco como D.C.

Pregunta: ¿Qué conoces de la música actual?

R: Creo que el concepto música experimental no es el mismo, pues los recursos tecnológicos ahora son muy diferentes. Me resulta interesante lo que hacen Matthew Herbert, Cocorosie, Aphex Twin, James Blake, Animal Collective… De estos últimos me gustan mucho sus vídeos. Siempre he escuchado música muy variada, según el momento. Ahora estoy escuchando a The XX, Damien Jurado, Maika Makowski, que son todos estilos muy diferentes.

Pregunta: ¿Quieres añadir algo más o trasladar algo a nuestros lectores?

R: Simplemente decir que me siento muy halagada y agradezco todas las muestras de aprecio que he recibido en estos últimos meses.

Publicado por Sergio Sánchez en el blog de Fnac.es. 2013. 

A.L. Guillén o la profunda manifestación del sonido argárico.

Reproduzco la entrevista que realicé a Don Antonio Luis Guillén en el año 2013. A.L. Guillén es camarada argárico y excelente músico autodenominado anartista. Gestiona colectivamente el Gruppo Ungido, sede central cultural de la otra Almería. Distribuye obleas sónicas contra la mediocridad, el conformismo y la putrefacción capitalista.

Con Alternativas busco solventar, en la medida de lo posible, las dificultades que grandes músicos alternativos padecen para difundir sus trabajos sonoros. En teoría, estos artículos deben servir para facilitar la escucha de música verdaderamente independiente. A pesar de las facilidades y acceso a cualquier aspecto de la producción musical, por las mejoras tecnológicas (estudios caseros, software, laptop, etc) y por la difusión en la red (bandcamp y netlabels); muchos proyectos se pierden en el olvido, siendo los amantes de la música bombardeados por los mismos nombres y estilos; saturando nuestros cada vez más maltrechos tímpanos.

El primer músico que proponemos como alternativa al Nuevo Orden Musical, es A. L. Guillén, un polifacético e inquieto músico de rock experimental que acaba de publicar un insólito disco con toques de Zappa destructivos. Se titula “Der Cucamongol Cannibalizes Your Idol Unmatched“, y es un auténtico delirio espectacular. Un auténtico ensayo sobre la obra del mismísimo Frank Zappa. ¡Hay que ser valiente! El resultado es muy positivo.  Un disco conceptual con entidad propia. Nada sorprendente, si tenemos en cuenta que Guillén es uno de los mejores guitarristas del país. En el catálogo de Fnac, tenemos la suerte de poder ofrecerles uno de los discos más originales e interesantes del panorama nacional en este 2013.  El loco de Zappa se compraría encantado el disco.

Hemos conseguido entrevistar a  Antonio Luis, uno de los mejores músicos de este país y que ha colaborado con la “crem de la crem” del panorama independiente.

Pregunta: ¿Cómo empezó todo? ¿Como surgió la idea de grabar este disco?.

Antonio Luis: El disco surge como una propuesta directa de Luis G. de Hall of Fame hace un par de años. Progresivamente fuí esclareciendo como abordar el proyecto, abandonando la idea de realizar un ejercicio de estilo, y pasando a concretar un proceso de deszappinzación de lo que hubiera de Zappa en mí. Destruir y construir sobre las ruinas… o algo así.

Pregunta: ¿En qué otros proyectos has trabajado anteriormente?

Antonio Luis: Resumiendo al máximo, mi primer grupo serio ha sido Sefronia (un hermoso proyecto de otro-pop que tengo con Angelina Olea desde 1999). He trabajado la improvisación libre en proyectos como Alondra Satori, o Almayate (con Markus Breuss , Pelayo Arrizabalaga, Antonio Delgado y Victor Vázquez); también comparto conJesús Alonso, e Ignacio Asensio, y proyecto muy intenso de rock (de)generativo llamado Les Rauchen Verboten. Así mismo, gestiono una netlabel y sociedad mistérica anartista llamada Gruppo Ungido, con artistas relacionados de algún modo con el sur de la península, amén de trabajos en solitario que voy editando, varios de ellos con el poeta granadino Fernando Jaén.

Pregunta: Has estado caminando siempre por el mundo alternativo y experimental. ¿Crees que existen barreras que impiden que trabajos como el de Der Cucamongol sean conocidos como merecen? 

Antonio Luis:  Es evidente que hay barreras que pueden resultar frustrantes, sobre todo teniendo en cuenta que nos alimenta la comunicación con alguien, con alguno. Pero llegado a un punto de madurez, debemos tirar las botellas al mar con los mensajes más hermosos que sepamos hacer, sin esperar nada en concreto; cualquier semilla o proceso puede surgir de cualquier acto o ejemplo. Puede llegar a ser paralizante esperar repercusión y no encontrarla, simplemente debemos hacerlo, recordando siempre porqué lo hicimos el primer día, y disfrutar creciendo cada día; disfrutar mucho con las “pequeñas repercusiones”.  Una actitud así desde luego que resiste ante las nociones utilitarias y de “trepismo” que suelen ser moneda común en estos mundos.

Pregunta: ¿Es por tanto la unión de músicos una salida para afrontar con éxito un proyecto musical?

Antonio Luis: Formar redes entre seres cualitativamente y espiritualemente afines, pero absolutamente abiertas, es la única economía política posible que suponga “éxito”, en la noción que cada cual tenga por “éxito”. Ésteo en este caso se valora en términos de comunicación y crecimiento.

Pregunta:  Tus influencias musicales.

Antonio Luis: Incontables influencias, aunque diría que me siento muy atraído por músicos en los que se hacen evidentes visiones muy personales de tradiciones muy profundas (Beefheart, Partch, Van Dyke Parks, Messiaen, White Noise, etc). Cosas que huelen a tierra y a pneuma, de profundis, pero con una estética extrema. Quizá no me explico bien, pero sé que me gusta.

Pregunta: Grupos nacionales que te gustan y con los que te gustaría trabajar.

Antonio Luis: Sinceramente no controlo demasiado la escena nacional en cuanto a rock y pop. Rosvita no me desagradan que recuerde ahora mismo. Donde sí hay una explosión evidentemente es el mundo del “arte sonoro“, por proximidad Jazznoize debería ungirse. Batiscafo, Dal Verme, Carlos Suárez. Todo eso es destacable, colaborable.

Pregunta: ¿Sigue siendo la música experimental una sublevación contra los cánones estéticos establecidos?

Antonio Luis: La música experimental, o en general periférica, viene siendo el ruido que necesariamente anuncia la disolución próxima del capitalismo; el funcionamiento horizontal, el colaboracionismo. Y otras muchas características de funcionamiento de estos músicos, están anunciando la única vía de escape a la gran deflagración. Y eso tiene un sonido, que no es corporativo, claro.

Pregunta: ¿Que sonido, acorde o ruido usarías para acabar con la crisis económica y moral que sufrimos en España?

Antonio Luis:  ¿Un dúo de Hildegarda de Bingen con Phil Niblock? En otras palabras: un “reseteo”, suave y peligroso, no advertido, un violencia suave de esa que cambia los valores que el neoliberalismo nos ha introducido en el cerebro. Eso no lo pueden hacer los Stooges.

Pregunta: ¿Como traduces tu universo sonoro en los directos?¿Cuál es tu modus operandi?

Antonio Luis: He probado multitud de opciones y formatos, jamás relacionados con reproducir una grabación. Con Sefronia o V.G, el músico debe improvisar casi formalmente sobre el patrón de la canción, y el espectro tímbrico varía en cada concierto (eléctrico, electrónico, acústico). Con este nuevo disco “zappiano“, han colaborado tantos músicos (Juanjo Simón, Nadia Martínez, Justo Bagüeste, Piotr Wegner, Breuss, Arrizabalaga,etc) que en caso de tocarlo en directo, todo deberá ser creado de nuevo. Gozo continuo creativo puede equivaler a considerables quebraderos de cabeza, pero…¡exigimos lo imposible!

Pregunta: ¿Proyectos en mente?

Antonio Luis: Con Les Rauchen Verboten estamos terminando una participación en un interesante proyecto deJavier Corcobado, y empezando grabar nuevo disco. Sefronia está empezando a grabar su cuarto disco. Gruppo Ungido continúa con una actividad febril e ilusionante por el recibimiento, tanto en lanzamientos (los próximos Stahlfabrik, Antonio Murga) como  por la preparación de la celebración de un Misterio Art Bruitistacon Stahlfabrik y MyNationShit. Así mismo estamos organizando para este verano en un lugar emblemático de Almería un encuentro sobre espiritualidad y artes experimentales. También acabo de producir el segundo trabajo de Punk Buró. En fin, non stop, goodspeed!

Pregunta: ¿Algo que quieras decir a los lectores?

Antonio Luis: ¡Os quiero y trabajo por vosotros!. Un saludo.

Entrevista realizada por Sergio Sánchez. Publicada en 2013 para el extinto blog de Fnac.es.

Entrevista a Servando Carballar

El Aviador Dro y sus obreros especializados se presentaron por primera vez ante la humanidad en 1979. Sus propuestas iban más allá de lo meramente musical. Sus ideas transgresoras intentaron transformar la sociedad a través del anarquismo futurista y el desarrollo científico como bien social. Aún siguen llevando a la práctica su pensamiento. Son, con sus mutaciones y variables, un grupo emblema de lo moderno en la música española. Dentro del pop electrónico o el tecno pop, apenas había nada antes de ellos. Y siguen muy vivos. Servando Carballar, icono de la vanguardia pop en España, es el equivalente a un híbrido perfecto entre todos los miembros de Kraftwerk, The Residents, Bakunin y New Order. Si tuviera un DNI con nacionalidad alemana, tendría ya una calle a su nombre, y no solo por su música, sino por ser el valiente impulsor del sello DRO.

Pero en este país que identifica Movida con Los Secretos, el desarrollo musical del Aviador ha seguido su camino en un mundo paralelo. De sus entrañas surgen guerrilleros futuristas con secuenciadores bajo el brazo en lucha contra imperialistas planetarios. Nuevamente editan una ópera espacial científica sobre la vida futura, creando una perfecta simbiosis de armonías, melodías comerciales y electrónica teutónica. En "La voz de la ciencia" presentan un programa especial para evitar la destrucción de la raza humana por el capitalismo tecnológico. La ciencia constructiva frente a la sinrazón. Atrás quedaron sus sintéticas arengas de militantes cyborg faltos de temor. Podrían dominar el átomo con unos sabios acordes, y crear vida artificial a partir de un puñado de compases rítmicos para destruir todo lo inmovilista del pasado. Algunas de sus letras son proféticas y gracias al apoyo de científicos plantean una serie de tesis sobre lo necesario de la mejora científico-tecnológica para el progreso.

Hemos charlado unos minutos con el alma mater del Aviador, Servando Carballar,  y nos ha respondido a unas preguntas:

A pesar de los cambios de formación, ¿el ideario del Aviador sigue vivo? "La voz de la ciencia" me recuerda a "Síntesis", no tanto por su ideario sino por ser un disco tremendamente conceptual, algo que hoy día se ha perdido un poco.

S. C.: En realidad cada vez nos resulta más complicado crear un disco sin un "concepto". Como decimos en nuestro manifiesto de la "Música Aumentada", incluido en el disco, los músicos debemos evolucionar para encontrar nuestro espacio en la era digital. Ya no basta con crear canciones. Hay que participar y trabajar de cara a la sociedad. Transformarnos nosotros y ayudar a transformar el mundo. El discurso del Aviador Dro sigue siendo el mismo: La utilización de la ciencia como herramienta de progreso. Solo que ahora el discurso se entiende mejor que en 1979.

El sonido aviador sigue siendo inconfundible a pesar de la evolución y desarrollo tecnológico de  instrumentos y técnicas de trabajo musical (de lo analógico a lo digital, sampler, etc.). ¿Crees que esto es una liberación, o un lastre que somete el resultado final al uso de instrumentos?

S.C.: Es fantástico que ahora todo el mundo pueda crear música con su ordenador personal y un poco de imaginación. Esta democratización permitirá integrar la música de una manera natural en la vida cotidiana. Haremos un perfil de facebook e introduciremos nuestra canción. El siguiente paso será trabajar con sistemas inteligentes. Nuestro ordenador será nuestro compañero y sugerirá labores creativas. Al final podremos grabar música con solo pensarla o emitirla directamente desde nuestra mente con dispositivos cibernéticos.

En Latinoamérica  tenéis muchos y fieles seguidores, ¿se va a distribuir en esos países?

S.C.: Esperamos que si. Aunque eso es labor de PIAS. En realidad ahora el hardware, el "disco", es solo un elemento más. Todo está disponible digitalmente. No hay barreras.

¿Cómo se ha gestado e ido tomando cuerpo el proyecto de "La voz de la ciencia"? La edición es una gran apuesta, dado el tipo de propuestas que se presentan hoy día con ediciones cutres que a no ser que sean cajas antológicas. Vuestro caso es diferente, un disco y con exquisita edición formato libro, de edición limitada.

S.C.: En este caso PIAS se ha esforzado por reflejar nuestra idea. Esto es de agradecer hoy en día. Por otra parte es lógico ofrecer algo diferente en formato físico que lo que obtendrías igualmente descargando el disco en i-tunes. Debe haber un valor añadido. Algo físico que te una a la banda. Queríamos recuperar la sensación que se tenía cuando comprabas un vinilo: un momento especial en el que ibas a descubrir el trabajo de unos tipos encerrados un buen montón de tiempo en un estudio.  El proyecto tiene unos diez años de antigüedad pero nos pusimos a ello en 2010.

Ha sido un trabajo arduo contactar a todos los científicos y explicarles la idea. Lo mejor fue ver que la idea les encantaba. Teníamos miedo de que les pareciese una frivolidad, pero en lugar de eso nos recibieron con los brazos abiertos.

¿En qué se diferencia de los anteriores discos?

S.C.: Es nuestro primer disco elaborado bajo el esquema de nuestro manifiesto de la música aumentada. Si bien es una evolución del tipo de trabajo que hicimos en Síntesis y Mecanisburgo. También es un proyecto abiertamente disciplinar que incluye blogs, gira por centros científicos.

¿Que momento crees que vive actualmente la música en España? ¿Que opinas de la ley Sinde, el Creative Commons y las Netlabels?

S.C.: Creo que Internet pone en manos de los creadores la posibilidad de un gran control sobre la obra propia y la capacidad de prescindir de intermediarios. Las legislaciones tienen que adaptarse sin criminalizar al usuario. Son las operadoras las que necesitan contenidos y el pago de derechos no puede ser injusto ni arbitrario como se ha hecho hasta ahora. Los músicos tendremos que vivir del directo, el merchandising, asociarnos con marcas y empresas como en la época de los mecenas. La música tiene miles de años y el pago de derechos muy pocos. Luego los músicos no dependemos de los derechos.

 Háblanos un poco de lo que nos está sucediendo en nuestro país, con la crisis, los ajustes draconianos, etc. ¿Son los mineros en lucha y marchando a Madrid, lo más cercano a unos obreros especializados?

S.C.: Pues nos dan ganas de cambiar el uniforme al de los mineros. Estamos contemplando el mayor ataque del capitalismo salvaje a la sociedad desde la revolución industrial. Asistimos al desenmascaramiento de una falsa democracia en manos de los financieros y las mafias. Es inadmisible.

Próximos proyectos, giras, etc.  Llevaremos la Voz de la Ciencia al Jardín Botánico de Madrid el 22 de Septiembre. También queremos ir a Zaragoza Valencia, Donosti, Coruña, Sevilla. Estamos trabajando en crear estos eventos entre el segundo semestre de 2012 y el primero de 2013, Y en 2014 abordar nuestro segundo proyecto aumentado.

 ¿Que opinas de las versiones y homenajes que ha recibido aviador en estos años por grupos indies de generaciones posteriores.

S.C.: Nos encantan. Es estimulante.

¿Han variado tus gustos musicales? ¿Tus grupos favoritos siguen siendo los mismos? ¿Qué destacarías de la escena actual?

S.C.: Escuchamos mucha música. Desde XX a los Ting Tings o CSS. Me encantan Bat for Lashes o Mikachu.

Algunos músicos están escribiendo novelas o libros de poesía (Antonio Luque de Sr Chinarro, o Víctor Nubla de Macromassa). ¿Te adentrarías en ese mundo literario?

S.C.: Lo curioso es que empezamos creando fanzines. Desde luego nuestros proyectos aumentados futuros irán por ese camino.

¿Algo que comentar más?

S.C.: ¡Libertad, Igualdad y Electricidad!

Publicado originariamente en el blog de Fnac.es (2012)

Por Sergio Sánchez 

Hazard Records y la militancia underground

Reproduzco este texto desaparecido en internet y que publiqué en el blog de FNAC, ya extinto, y ahora denominado ClubCultura. Es una interesante entrevista a Anki Toner, padre de Hazard Records. 

ALTERNATIVAS. HAZARD RECORDS Y LA MILITANCIA UNDERGROUND

Posiblemente sea  políticamente incorrecto por escribir en este portal sobre un sello discográfico de libre descarga, sin interés alguno por el mercado de ventas, las cifras de negocio o la promoción inmersa en el círculo vicioso de la mercadotecnia que obviamente Hazard rechaza de manera frontal desde 1999.

Pero la libertad sincera que me otorga este blog hace posible que dedique un sincero homenaje a uno de los sellos más importantes nacionales de los últimos 20 años, concretamente de Barcelona.

Hazard Records, es pionero en la gestión y la publicación de obras experimentales y libres, en un sentido amplio, como la improvisación, el noise, el plunderphonics, el rock, la electroacústica, o los soundscapes, a través de la libre descarga (Hazard es un netlabel antes de que se hicieran famosos y crecieran como setas por la red), y empapados de una filosofía realmente radical que rompe de manera frontal con la idea de los derechos de autor del sistema imperante.

Creado por Anki Toner, uno de los músicos más importantes del país (Superelvis, File Under Toner, Dj Hazard), cumple estos días quince años, y aunque parezca mentira, el sello está más activo que nunca, pues celebra como órgano vivo este aniversario mediante la publicación de una serie de discos perdidos, nuevos trabajos, sesiones que reconfiguran referencias ya publicadas, y también una serie de textos no menos interesantes de algunos artistas invitados o que tienen relación directa con el sello desde sus inicios (Jesús Brotons o Javier Piñango, etc).

Por lo tanto, están editando un nuevo trabajo cada semana desde la del 25 de marzo (fecha de su presentación oficial hace 15 años), acompañado de un texto que antes comentaba.

Para que despejen dudas sobre lo que significa Hazard, deben saber que se adelantó a todos los sellos discográficos que aún creían en otras formas caducas de distribución de la música, que su mentalidad era y es puramente underground, pues fomenta dos aspectos vitales que le identifican como posiblemente el mejor sello de todos, la edición de discos para dominio público (libre descarga y difusión, ajena a al copyright) y el apropiacionismo como elemento creativo en la música experimental. Felicitamos a Anki deseando que Hazard, sello pionero de la música libre, aguante otros quince años más.

Víctor Lenore. El terror de los hipsters.

Reproduzco íntegramente la entrevista que publiqué en el blog ya extinto de Fnac, ahora ClubCultura, ya que todos los artículos y entrevistas han desaparecido de la red. 

VÍCTOR LENORE. EL TERROR DE LOS HIPSTERS. ENTREVISTA

Estas últimas semanas se ha producido un pequeño terremoto tras la publicación de un más que recomendable libro que pretende hacernos reflexionar sobre la cultura indie, y los denominados gafapastas y hipsters, término este último muy trillado y utilizado hasta por las niñas de los colegios de Carmelitas. Se han producido otras aproximaciones irónicas como la columna Modernillos de mierda, y el cómic Moderna de pueblo, algo más benevolente, pero es con el libro autocrítico y reflexivo de Víctor Lenore donde podremos entender bajo un prisma social toda esta movida cultureta,  clasista, y reaccionaria. Es el momento de destripar el hecho diferencial del “hipsterismo”.  

Está claro que Lenore no quiere ser adorado y por ello está recibiendo muchas críticas, la mayoría sin fundamento. Lo indiscutible es su valentía y atrevimiento, aunque algunos le tachen de oportunista. El caso es que ha levantado ampollas sobre algo que nadie se atrevía a encarar con seriedad, porque reflexionar sobre ello tiene más de seriedad que de humor. El autor pondrá sobre el papel datos e información que derriban lo que realmente es un castillo de naipes bien marcados que representa la modernidad de una gente que tiene fobia a lo colectivo y lo social. “Indies, hipsters y gafapastas” es un excelente libro, ameno, e interesante porque incluye en sus páginas muchas verdades. Publicado por la editorial Capitán Swing, y distribuido en las tiendas FNAC y en la propia web, entrevistamos a Lenore antes de que acabe dilapidado. Y eso que en otros países del entorno existen publicaciones sociológicas al respecto y nadie se tira de los pelos (perdonen la expresión).

¿Son los hipsters los nuevos pijos? ¿Indie significa independencia o individualismo? ¿Esta cultura supuestamente contracultural es una creación para fomentar sujetos pasivos y consumistas? ¿O tal vez los que dominan y domestican la cultura necesitan de esa modernidad estética y principios  para vender y perpetuar su poder aparentemente bondadoso?

De los tiempos donde los jóvenes querían o intentaban cambiar el mundo de base, a los actuales donde  lo único que pretenden que seamos es ser los más modernos y más adorados, han pasado no más de tres décadas. Atrás quedan otras generaciones que fueron definidas por Jean Luc Godard como “los hijos de Marx y la Coca-Cola”. En vez de lucir como rebeldes sin causa, una chupa roja y tupé,  ahora lo que se llevan son las camisetas de leñador (nada sucias como en los tiempos grunge), barbas, tatuajes hasta en las axilas, anillos, culto a las marcas, e individualismo con pose de superioridad. Son los tiempos de la anti tribu individualista, pero afortunadamente todo esto está cambiando. Lenore nos explica todo sobre este libro, y sus objetivos.

Pregunta: Elegiste al cantante Nacho Vegas para el prólogo, y las críticas que está recibiendo el asturiano son continuas. 

V. Lenore: Vegas es uno de los músicos con los que más sintonizo políticamente. Básicamente, es una estrella de rock, un trabajo muy propicio para cultivar el narcisismo, pero él ha decidido controlarlo.  Tiene un discurso sencillo, humilde y empático, basado muchas veces en la autoparodia, pero que nunca cae en el cinismo. Canciones como “Ciudad vampira” y “Cómo hacer crack“, entre muchas otras, reflejan los conflictos que sufrimos en nuestra vida cotidiana.

Pregunta: ¿Cuál ha sido el objetivo de este ensayo? ¿El poder aclarar conceptos o por una toma de posición al respecto?

V. Lenore: Considero el hipsterismo una derrota política. Parece algo moderno, con cierto aire contracultural, pero es una especie de Caballo de Troya por el que nos cuelan los valores dominantes: elitismo, anglofilia, meritocracia, machismo y hasta cierto racismo cultural. Otros autores lo han visto antes que yo: César Rendueles, Owen Jones, Thomas Frank, Stuart Hall y Mark Greif, por citar unos pocos…. En el texto intento difundir sus mejores argumentos, salpicados de experiencias personales. 

Pregunta: ¿No crees que esto de la pose hipster está creciendo justo ahora que el aumento de la pobreza y el clasismo determina tu futuro inmediato? ¿Significa la distinción como medio de supervivencia en el mercado laboral? ¿Es sinónimo de triunfo?

V. Lenore: Totalmente. En el libro explico que, si te metes en Google Trends, las búsquedas de la palabra “hipster” se disparan en España  justamente a partir de 2008, con la llegada de la debacle financiera y económica. Nos agarramos a gustos culturales presuntamente elevados y exquisitos para sentirnos por encima de la “masa”, que es lo mismo que decir de la clase trabajadora o el precariado. El hipsterismo es un proceso de desclasamiento, que apuesta por el individualismo frente a las soluciones colectivas. 

Pregunta: Explica a los lectores del blog que aún no han leído tu libro la diferencia entre indie, hipster o gafapasta.

V. Lenore: El Indie es un subcultura nacida en Reino Unido en los años ochenta, dominada por chicos de entre 18 y 26 años. Son canciones intimistas, melancólicas, grabadas con pocos medios. Casi todas están escritas en primera persona. Hablamos de un movimiento individualista y autorreferencial, al menos en su nacimiento. Hipster es una palabra de larga tradición que arranca en los años 40 asociado a la generación beat, aquellos jóvenes que se bajaron en marcha del “sueño americano” para escuchar be-bop, fumar marihuana y vagabundear un poco. El término resucita en Williamsburg (Nueva York) en la década de los 2000 para nombrar a una versión burguesa e hiperconsumista de esa subcultura. Mientras los viejos hipsters buscaban cosas fuera del mercado, los nuevos solo piden cosas que están en los escaparates, como bien ha explicado el crítico Simon Reynolds. “Gafapasta” creo que viene de Woody Allen. Designa a los jóvenes que piensan que sus gustos culturales “premium” (discos raros, cine de autor, metaliteratura al estilo Vila-Matas) les colocan por encima de “las masas” que consumen productos “normales”.  

Pregunta: La música indie en España siempre se entendió más como individualismo estético que como actitud de independencia frente al sistema que como individualismo. ¿O tal vez no? ¿Por qué se ha desvirtuado tanto esa palabra? Los que se consideraban en la adolescencia “indies” lo creían que  representaba un rechazo frontal a la industria discográfica, tal vez más por gustos que por cuestión ideológica, aunque sin descartar esto último. Y no todos eran de clase media.

V. Lenore: Cuando hablo de que el indie es de clase media me refiero a que tiene aspiraciones de clase media. Hay mucho indie que viene de la clase trabajadora y que se apunta a esa subcultura como medio de distinción social. El indie español se limitó a copiar la estética anglosajona, dejando aparte la ética, por eso nunca tuvimos un grupo tan combativo como los Housemartins (aunque encuentro ecos del grupo en algunas canciones de La Casa Azul, por ejemplo). El indie español fue pura distinción y esteticismo. Hay una frase muy chula de Nacho Vegas en el prólogo del libro que dice que se metió en el indie buscando independencia y que, sobre todo, lo que encontró fue individualismo. 

Pregunta: Los que moldean conciencias a través de los medios de comunicación con la cultura hipster ¿quieren que la diferenciación entre la gente sea una constante? Algo muy rentable, por cierto. ¿Este tipo de individualismo es el germen para una futura inacción por parte de las futuras generaciones? ¿Has podido ver a muchos gafapastas en las plazas del 15M, las mareas y huelgas generales? 

V. Lenore: He visto muchos modernos, indies y gafapastas en las plazas. Empezando por mí, aunque me considere un ex de todas esas tribus. Nos hemos politizado a golpe de recortes, despidos y desahucios.  Es fácil encontrar gente con look hipster en las asambleas y círculos de Podemos en Madrid. Creo que eso irá a más. Me parece una buena noticia que nos estemos dando cuenta de que nuestra subcultura tenía una versión individualista y estrecha de la realidad. Este estimulante proceso de politización nos ha confirmado que la cultura hipster era una burbuja estética, lo que nuestros padres y abuelos llamaban la torre de marfil, refiriéndose a esos géneros o artistas que se vuelcan en lo interior y olvidan lo colectivo.

Pregunta: ¿Que opinas sobre los que escriben sobre estas cuestiones y critican tu  libro? En Inglaterra o EEUU seguro que hay muchas publicaciones sobre este fenómeno sociológico y nadie “se tira de los pelos”,  ni acusa a nadie. 

V. Lenore: Es cierto que el libro ha despertado mucha hostilidad. Agradezco a los reseñistas el esfuerzo de leer el texto, pero se pueden hacer críticas mucho más sosegadas y constructivas. Me parece revelador que la mayoría de las publicaciones hipster escojan hacer reseña, pero no les interese una entrevista. Eso denota más voluntad de tener la última palabra que de encontrar algún tipo terreno común.  

Pregunta: Si en publicidad lo que trasmiten es autenticidad, no parecerse al vecino de al lado, entonces esto de lo que se trata es de cuota de mercado. ¿Lo indie vende? Recuerdo como la colonia Gio  usó una canción de Oval hace años, y como Levi´s en uno de sus anuncios incluyó un tema de Biosphere. ¿Es porque los que crecieron con toda aquella música ahora tienen poder adquisitivo, son maduros consumistas?

V. Lenore: En parte, como dices, lo indie y lo hipster dominan la publicidad por la trayectoria cultural de quienes ahora tienen poder en las agencias. Pero también porque las canciones indie/hipster/gafapasta no chocan de ninguna manera con los valores de la industria de la publicidad. Un anuncio te propone comprar cierto producto y promete que eso te elevará por encima del gusto masivo. La lógica hipster funciona exactamente igual, solo que los productos son discos, libros, series….Son lógicas paralelas, basadas en la distinción…

Pregunta: ¿La falta de referentes hace que los gustos estéticos sean el centro identitario de los jóvenes? ¿Realmente es una dominación cultural? ¿Hay esperanzas de revertir esto?

V. Lenore: Culturalmente, estamos tan mal que la cosa solo puede ir para arriba. Por eso me muestro optimista. Sí estoy seguro de que existe dominación cultural: casi todas las secciones de cultura tienen enfoques hipster. Es verdad que Malú vende más que Morrissey, pero una editorial como Penguin nunca va a publicar la autobiografía de Malú en su serie Classics. Otro ejemplo: H&M prefiere anunciarse con Lana del Rey que con Enrique Iglesias.  La dominación de la que hablo es una mezcla de ventas y prestigio.  

Pregunta: No todos los grupos eran individualistas. Fugazi, Huggy Bear, Atari Teenage Riot, The Clash, sellos españoles como B-core. ¿O en el fondo todos quieren ser adorados, como cantaba Ian Brown en The Stone Roses?

V. Lenore: Los artistas que mencionas me parecen excepciones a la regla. Si comparamos sus letras con el grueso de grupos hipster vemos lo despolitizado e individualista de la cultura “moderna”, “alternativa” o como quieras llamarla. “I Wanna Be Adored” es uno de los grandes himnos del indie y resulta complicado negar que la letra es una oda al narcisismo que refleja muy bien los los valores del género. 

Pregunta: ¿Que esperas del libro? Ha sido publicado por Capitan Swing, editorial dedicada a cuestiones sociopolíticas. ¿Cultureta y gafapastas son estereotipos puramente ibéricos? 

V. Lenore: “Cultureta” y “gafapasta” son arquetipos universales, aunque las palabras sean muy españolas. Que Capitán Swing aceptase publicar mi libro me animó mucho a trabajar en él. Han publicado libros realmente importantes y útiles como “Sociofobia” (César Rendueles), “Chavs: la demonización de la clase obrera” (Owen Jones), “El minotauro global” (Yanis Varoufakis), “Por tu propio bien:150 años de consejos expertos a las mujeres” (Barbara Ehrenreich), “El problema de los supermillonarios” (McQuaig/Brooks) o “El color de la justicia” (Michelle Alexander). Es un honor exagerado compartir catálogo con ellos. 

Pregunta: ¿Faltos de autoestima o necesidad de aumentar su estatus social a través del hipsterismo?

V. Lenore: Para mí es una mezcla de los dos. En mi caso, sin duda, así como en el de muchas personas que conozco. 

Pregunta: ¿Es lo indie una cantera para las majors? ¿Una parte del engranaje más?

V. Lenore: Se ha convertido en eso. La industria adora lo indie porque requiere inversiones pequeñas y tiene mucho prestigio cultural.  En los años ochenta y noventa todavía subsistía cierta resistencia a “venderse”, mientras que hoy “venderse” es el único objetivo de los jóvenes creadores. ¿Cuál fue el último conflicto con el sistema que tuvo la cultura indie/hipster/moderna? Casi no me acuerdo. Quizá aquella vez que el grupo No Age denunció las condiciones esclavistas de fabricación de Converse y Nike en la sala Apolo de Barcelona. Casi toda la prensa moderna criticó al grupo por cobrar el concierto, pero no a las marcas por esclavizar trabajadores. 

Pregunta: El ejercito de estetas  que abundan en la prensa dirigiendo la sección de cultura, la invasión de revistas de tendencias y blogs, significan, además de un triunfo, la dominación absoluta y por ello ¿necesitan retroalimentarse para subsistir?

V. Lenore: La cultura hipster es muy precaria. Si todo ese ejército de periodistas “guays”, “irónicos” y “exquisitos” no creo que artistas como Deluxe, Agustín Fernández Mallo y Joe Crepúsculo pudieran recibir mucha atención del público. Es una hipótesis, claro, pero basada en veinte años de experiencia. 

Pregunta: La hegemonía e imperialismo cultural hipster ¿de donde viene? Si la contracultura fue un ejemplo de rebelión en tiempos mucho más militantes, ¿que es el hipsterismo? 

V. Lenore: Los años ochenta son el escenario de una revolución derechista, liderada por Ronald Reagan, Margaret Thatcher y Felipe González. Se legitiman dinámicas de segregación social como los colegios privados, las urbanizaciones cerradas y los seguros médicos de pago que prometen una atención mejor que la sanidad pública. También hay un proceso muy dañino de destrucción sindical y privatización de empresas privadas rentables. La cultura hipster es el reflejo cultural de esa estratificación. Es un divide y vencerás que funcionó muy bien a los de arriba.  Recomiendo el libro “La rebelión de las élites”, de Christopher Lasch, tristemente descatalogado, pero disponible en muchas bibliotecas.

Pregunta: Existe más oferta comunicativa, pero menos diversidad de opiniones, un auténtico pensamiento único. ¿Cuál es la solución para acabar con esta dominación cultural? En España también hay casos de gentrificación como ocurrió en Brooklyn, por ejemplo, el barrio de Russafa en Valencia.

V. Lenore: La gentrificación está en todos lados: Madrid, Barcelona, Málaga, etc. Es un proceso de homogeneidad y de exclusión de vecinos vulnerables.La solución a eso es la lucha vecinal y la conquista de ayuntamientos por partidos igualitarios, que no tengan complicidad con las mafias inmobiliarias…Respecto a la dominación mediática, creo que la solución es la intervención estatal, con una ley que fomente y hasta financie los medios de comunicación comunitarios. También estaría bien ligar de alguna manera los medios de comunicación con el entorno universitario. Hemos dejado demasiado espacio en manos privadas que han convertido la prensa cultural en un catálogo de productos.