Por Sergio Sánchez
En esta serie de artículos sobre el arte sonoro en España, no podía faltar
Francisco López (Madrid, 1964), el artista experimental más internacional de nuestro país. La trayectoria de este biólogo de profesión es inabarcable. Comenzó a investigar con los sonidos a finales de los años setenta, primeramente como todos los que estaban implicados sónicamente en la corriente artística y filosófica del llamado
Mail Art, y que en cierta manera hizo función objetiva de contrapeso cultural a las corrientes más populares que desde los medios de masas imponían a la sociedad. Al principio todo vinculado a la grabación de insectos a través de “El internado”. López recrea un mundo virtual a través de la captura y posterior transformación de sonidos capturados por medio mundo. Y el mundo es su principal instrumento, ya que no está interesado en los sonidos sintetizados. Aún recuerdo el impacto que me produjo con 18 años la escucha de su disco “Azoic Zone” (1993). Fue uno de los momentos trascendentales en mi vida ya que explicó muchos comportamientos musicales (experimentos) a nivel doméstico algunos realizábamos con grabaciones caseras de cintas, sin saber realmente la causa que nos movía a ello.
En este lado del “underground” ha trabajado López hasta hace poco tiempo. No es un icono rock, pero desde hace años sí que es una referencia muy respetada, también en los círculos más academicistas de los grandes museos de arte contemporáneo. Primero fue en el extranjero (como siempre) donde se hizo hueco y suscitó interés por su trabajo sonoro. Y después en España, donde por fin las instituciones hicieron un pequeñísimo hueco, pero insuficiente, al arte sonoro no tan académico. Ha grabado (desde sus comienzos en la época de las casetes y autoediciones en otros soportes) en numerosos sellos discográficos independientes de todo el mundo. Sus
colaboraciones con músicos y artistas de su generación y también más jóvenes no tiene desperdicio (más de 100, de la talla de John Duncan, Lawrence English, Arturo Lanz, Peter Rehberg, John Hudak, Zan Hoffman, Steve Roden, Marc Behrens, Maurizio Bianchi, Pauline Oliveros, GX Jupitter-Larsen, Rafael Flores, Miguel A. Ruiz, Novi Sad, Amy Denio, Karkowski, Jorge Reyes…).
Mientras en
Europa y EEUU era venerado, en nuestro país apenas era conocido por una
minoría; pero afortunadamente esta inercia ha cambiado en estos últimos años a partir de la difusión de su obra, y por la introducción en los sonidos (como herramienta de trabajo investigadora) de una nueva generación de jóvenes que a través de la democratización de las nuevas tecnologías, el conocimiento teórico y contextualización de la historia de las músicas de “vanguardia”, han accedido a un nuevo mundo donde poder trabajar cómodamente con los sonidos. El laptop ha sido esencial para este cambio radical. López ha grabado en multitud de sellos (muchísimos de gran prestigio) de más de 50 países, conciertos e instalaciones en todos los continentes (en algunos de los mejores museos, centros de arte moderno y contemporáneo y expos internacionales). Su discografía es inabarcable.
Le incomoda que le encasillen un algunas de las corrientes estéticas que engloban todo lo que concierne al arte sonoro, las instalaciones y las músicas experimentales. Él define su trabajo como Absolute Concrete Music y siempre ha despertado cierto recelo hacia el academicismo electroacústico, creando su propia estética e idiosincrasia (escucha en las presentaciones a oscuras con los ojos tapados por venda negra y alrededor del artista) a partir de su interpretación filosófica sobre los objetos sonoros, muy relacionados, ampliados más bien, a partir de las teorías acusmáticas de Pierre Schaeffer, padre de la música concreta.
Su idea sobre la historia del sonido, las vanguardias musicales dista mucho de lo que nos presentan en los manuales y enciclopedias de arte, incluso por especialistas y propios protagonistas de estas historias sónicas. Asistir a uno de sus talleres o conferencias significa adentrase de forma especial en el mundo de los sonidos. Sobre sus actuaciones en directo, muchos ya pueden presumir por recordar su propia inmersión sonora, su viaje a través de la transformación de los sonidos capturados por
Francisco López en lugares muy dispares y a su vez interesantes. Pueden escuchar sonidos de una selva de Costa Rica, un desierto o una zona urbana (edificios, fábricas…). Asistir a uno de sus presentaciones significa modificar radicalmente la percepción que se tiene a cerca de la música, los sonidos, la percepción, la escucha, la abstracción, la experimentación y el silencio. Les recomiendo que escuchen los enlaces y videos sobre su obra, ya que como él dice (con toda razón), la música se explica sola, y mucho más si tratamos con la obra de Francisco López.
En definitiva, hablamos de una eminencia capaz de codearse con algunos de los artistas sonoros más prestigiosos de las últimas décadas. Este artículo podría ser muchísimo más extenso y podría profundizar por algunas de las pinceladas que explicamos en estas líneas, además de incluir otros asuntos no citados, pero nos conformamos con el privilegio de presentar en este blog una urgente y escueta entrevista (varios proyectos le han impedido desarrollar las respuestas) de este madrileño itinerante y universal.
Pregunta: Biomechanica representa la colaboración entre dos de los grandes nombres de la música experimental española. ¿Cómo surgió la idea del disco?
Respuesta: Arturo y yo queríamos hacer algo juntos desde hacía años. Crecimos en el mismo barrio, nos conocíamos desde chavales. Durante un par de años Arturo me mandó “bases rítmicas” y yo las trabajé mutando y añadiendo cosas. Ya estamos maquinando la continuación, pero es un proceso lento, ya que requiere mucha producción.
Pregunta: Sobre este acercamiento a Arturo, ¿Qué has aportado al último disco de Esplendor Geométrico?
Respuesta: De Ultraphoon, lo úncio que he realizado ha sido la masterización. Lo que he intentado en principio es aportar más definición, más espacialización, y por supuesto, más contundencia todavía.
Pregunta: ¿Sigues con los talleres en el Amazonas? ¿Participaron músicos “comerciales”?
Respuesta: He realizado varios talleres en el Amazonas. Ahora tengo una versión equivalente en Sudáfrica, en zona fronteriza con Botswana. El proyecto se denomina “
Sonic Mmabolela“. La mitad del grupo The Knife, Olof Dreijer estuvo en uno de estos talleres hace varios años.
Pregunta: ¿En qué proyectos estás inmerso actualmente?
Respuesta: La verdad es que en muchos. Por ejemplo, un disco de seis o siete horas con mis grabaciones del Amazonas, un trabajo nuevo de la selva de Borneo, y un proyecto con muchos años con grabaciones de diversos lugares de Australia y Nueva Zelanda. También en una obra que no es ni vinilo ni CD, sino una obra de 56 horas de duración editada en tarjeta SD de memoria.
Pregunta: Debido a la necesidad de viajar constantemente para grabar, ¿sigues afincado en Amsterdam?
Respuesta: Pues paso más tiempo repartido en multitud de ciudades con diversos proyectos que en Amsterdam o Madrid. Así que, en ningún sitio.
Pregunta: ¿Como ves la “escena” en España? Si es que consideras que existe. ¿Conocen en el extranjero algo de aquí?
Respuesta: Yo no creo en escenas “nacionales”. Hay muchos artistas españoles por ahí, y los que “están” en España, naturalmente se relacionan con gente de otros países, según sus intereses. En mi experiencia, las escenas son más culturales que geográficas (desde hace bastante tiempo).
Pregunta: ¿Proyectos que más te gusten de lo que se hace en España?
Respuesta: Me gustan trabajos de muchos de ellos. Un ejemplo reciente es el último CD de Miguel A. García, que es excelente.
Pregunta: ¿En qué afecta la falta de inversión por parte del Estado y las Autonomías para músicas “minoritarias” y en particular el “arte sonoro”?
Respuesta: En que ahora hay muchas cosas que lamentablemente no se pueden hacer. Y en que se pagarán las consecuencias del estancamiento cultural existente. Lo de “minoritarias”… habría que discutirlo.
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